Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко

Моя оценка

Московский академический музыкальный театр им. и Немировича-Данченко является одним из ведущих музыкальных театров России (сокращенно: МАМТ).

Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко объединил оперные театры двух легендарных реформаторов сценического искусства Константина Сергеевича Станиславского и Владимира Ивановича Немировича-Данченко. Великих режиссеров не устраивала опера, представляемая как "концерт в костюмах". Они стремились, чтобы оперные спектакли были столь же живыми и содержательными, как спектакли драматические.

В 1939 году в состав театра Немировича-Данченко вошла балетная труппа Викторины Кригер. О творческих устремлениях труппы говорит тот факт, что свое первое название труппа получила в честь Художественного театра и называлась "Московский Художественный балет".  Здесь работали выдающиеся режиссеры Леонид Баратов и Лев Михайлов, Вальтер Фельзенштейн и Гарри Купфер, Петер Штайн и Кристофер Олден, прославленные художники Пётр Вильямс, Исаак Рабинович, Владимир Дмитриев, Александр Лушин, Давид Боровский, Сергей Бархин и Валерий Левенталь, выдающиеся балетмейстеры Владимир Бурмейстер, Федор Лопухов, Дмитрий Брянцев, Том Шиллинг, Джон Ноймайер, Начо Дуато, знаменитые дирижеры Вячеслав Сук, Самуил Самосуд, Борис Хайкин, Дмитрий Китаенко, Геннадий Проваторов, Евгений Колобов, Александр Лазарев, Евгений Бражник. 

Сегодня оперную труппу театра возглавляет Александр Титель, балетом руководит Лоран Илер, главный художник – Владимир Арефьев, главный дирижер –Феликс Коробов, главный хормейстер - Станислав Лыков. Генеральный директор театра – Антон Гетьман.

В 2006 году завершилась грандиозная реконструкция исторического здания театра на Большой Дмитровке. Многие премьеры Музыкального театра были единодушно признаны значительными событиями московской театральной жизни. Постановки Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко неоднократно выдвигались на соискание Национальной театральной премии «Золотая маска». Среди лауреатов «Золотой маски» последних лет: Вечер балетов Иржи Килиана, балет Начо Дуато «За вас приемлю смерть», оперные спектакли «Сказки Гофмана», «Сон в летнюю ночь» и «Хованщина». Лауреатами и номинантами «Золотой маски» становились и исполнители – солисты оперной труппы.

Оперные и балетные спектакли театра многократно и с огромным успехом показывались в разных странах мира – Соединенных Штатах, Германии, Италии, Южной Корее, Японии, Китае, Великобритании, Нидерландах и др. Еще одной важной стороной своей деятельности Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко считает деятельность просветительскую. Музыкальный театр - партнер целого ряда международных фестивалей современной хореографии, в том числе - крупнейшего в России фестиваля современного танца DanceInversion, ежегодный участник международного проекта "Европейские Дни Оперы".

Отправить другу

Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко - адрес на карте

Отзывы о «Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко»

1 5 4,5 Оценки пользователей  4,5 из 23 оценок.
Вера 13 марта, 09:16
Великолепный Музыкальный театр Станиславского и Немировича-Данченко. Опять аншлаг!
В этот раз - опера "Лючия ди Ламмермур" Доницетти.
Опера создана по роману Вальтера Скотта "Ламмермурская невеста", сюжет основан на реальных событиях.
Влюбленные - Лючия (сопрано) и Эдгардо (тенор) из враждующих кланов. Выйдя замуж за нелюбимого, Лючия сходит с ума, убивает мужа и умирает. Возлюбленный Лючии Эдгардо от горя кончает с собой.

К этой опере меня привлекли несколько фактов:

✅ Опера считается эталоном стиля "бельканто".
Это и определённый стиль пения, выразительный, сложный и жанр оперы - драматичный, требующий от певцов передавать
различные оттенки чувств.

Кстати, думаю многие слышали арию певицы Дивы Плавалагуны из фильма "Пятый элемент"!? Это немного измененная ария Лючии. Вы её узнаете сразу!
Арии здесь превосходные!

✅ Это первый оперный опыт театрального режиссёра Адольфа Шапиро. И получилось, на мой взгляд, идеально.
Здесь нет классических привычных декораций, есть разговор со зрителем с помощью деталей и акцентов, полотен картин и объемов.
Выразительный свет то играет ярким красным, то чуть льётся из дверного пространства.
Красиво!
Костюмы как раз исторические и смотрятся необычно в таком абстрактном пространстве.
Премьера состоялась в 2009 году, но до сих пор смотрится свежо и актуально.

✅ Великая история любви. Сюжет часто сравнивают с трагедией Шекспира "Ромео и Джульетта". Две враждующие семьи и такой трагический финал.

Сразу скажу, я получила огромное удовольствие! Смотрится на одном дыхании!
Прекрасная крепкая постановка оставляет после себя сильное театральное впечатление.
Рекомендую!

В открытом на всю сцену пространстве правит лаконичность.Чувствуется лёгкое прикосновение супрематизма. Прямоугольный задник взаимодействует с прямоугольником сцены и другими фигурами, например, с тёмным  столом, который превращается в крест, на котором собираются распять героиню.

Кирпичные стены и минимум декораций. На мой взгляд, стильно и не отвлекает внимание от главного - пения и восхитительной музыки.
Интересный набор сценографических украшений:  возлюбленный Лючии (Дарья Терехова) Эдгардо (Чингис Аюшеев) появляется на сцене на настоящем коне; по стенам - тематические видеоизображения; выплывающая на сцену арфа; обезумевшая Лючия носит на себе конструкцию, из которой, она выползает как улитка из раковины, словно освобождаясь от груза нелюбви и боли.
Вообще, безумие Лючии - это отдельная тема! Меня глубоко тронула эта хрупкая и нежная сцена. Дарья Терехова - браво!
Партия сложная, почти без слов, выйдя за пространство сцены, спустив ноги в оркестровую яму, Дарья прекрасно исполнила "фиоритуру" безумия!
Женское сопрано лично для меня звучало сильнее. Скажем так, мне не мешали недочёты в мужских партиях, я не такой глубокий знаток оперного искусства.
Исполнение достойное, и из театра мы выходили счастливые и довольные.

Вне сцены ещё один важный участник оперы - хор! Волшебным образом пение окутывает нас со всех сторон - с боковых лож, с верхних рядов бельэтажа, словно призраки в белых одеяниях!
Потрясающе!
Оркестр под управлением дирижёра Вячеслава Волича продемонстрировал отличную работу.
Какая музыка!

Опера в трёх действиях, звучит на итальянском языке с русскими титрами.
Титры с первых рядов, на мой взгляд, читать не совсем удобно.
Лучше с 6-7 ряда.

Евгения 26 февраля, 12:44
Балет "Каменный цветок"
Очередной поход в любимый МАМТ - очередная радость и восторг!
До чего же хорошо все: и музыка, и ее исполнение - вчера идеальный был оркестр, и балет, и состав! Мой сегодняшний отзыв - просто патока, но как иначе, если все было идеально!
Балет удивительной яркости и красоты. Смотришь и понимаешь, что классика она и есть классика, она не стареет и не дает стареть нам. Мне показалось, что я вышла изрядно помолодевшей в бодром и оптимистичном расположении духа. И поняла, что в мрачном и дождливым вчерашнем феврале сделала правильный выбор, решив пойти в театр на этот балет. Красочный, яркий, красивый. Знакомая и любимая с детства история сказа Бажова под музыку Прокофьева! О как это было прекрасно! Благодарю!!! И, конечно, рекомендую! И взрослым, и взрослым с детьми - отличный вариант!

lenasemion 25 февраля, 04:39
Макбет.
Симбиоз гениальной постановки Камы Гинкаса, музыки Верди и Шекспировских страстей.
На сцене неземные декорации , не то обратная сторона Луны, не то сцены из Игры Престолов.
Трупы на санках везут по сцене, как трупы в блокадном Ленинграде, лопатами сгребают трупы детей в кучу, как в немецких концлагерях, наматывают вывалевшиеся кишки на руку, как в снах сумасшедших.
Все низменные страсти и первобытные инстинкты человека, от которых не избавится мир никогда - перед нами на сцене.
Макбет-это опера хора. Большая часть -это не арии и дуэты, а хор.
Хочется стоя слушать хор МАМТа и он лучший в Москве. Браво.
Все 2 акта было впечатление, что находишься не в театре в партере, а там на сцене участвуешь в жизни в то время.
Страх, страсть, какие-то первобытные чувства вскрываются от постановки, а музыка Верди усиливает их.

Вера 19 декабря 2018, 01:23
Каждое посещение Московского  академического музыкального театра имени К.С. Станиславского и В.И.Немировича-Данченко - это праздник!
Красивые интерьеры, торжественная атмосфера и превосходные постановки.

Премьера балета "Снегурочка" в МАМТе состоялась в 1963 г. Постановка советского  хореографа Владимира Бурмейстера.
Даже спустя столько времени хореография балета мне кажется такой современной. Многие движения до сих пор удивляют.
У спектакля была сценическая редакция, но она коснулась только оформления.

Музыку написал П.И.Чайковский. Вы же знаете музыку к его балетам "Щелкунчик", "Лебединое озеро" и "Спящая красавица"? "Снегурочка", на мой взгляд, как-то всегда была в их тени.
Правда Пётр Ильич никогда не писал музыку именно к балету "Снегурочка".
Бурмейстер собрал партитуру балета из различных произведений Чайковского,
взял за основу сюжет сказки Островского и создал этот замечательный балет!

Балет "Снегурочка" для меня - это не просто сказочная легенда, это прежде всего удивительная и трагическая история любви.
Действие происходит в стране берендеев в мифические времена.
Снегурочка - дочь Мороза и Весны, подсмотрев свидание обычных людей Купавы и Мизгиря, захотела испытать те же чувства. Она решила показаться людям и остаться жить в деревне, в царстве Берендея, где и встретила любовь и свою смерть от луча солнца Ярило.

Балет очень красивый! На сцене настоящая сказка и волшебство!
Я ещё раз убедилась, чтобы сотворить магию на сцене, не нужны бутафорские декорации и дорогие спецэффекты, иногда достаточно витьеватой морозной паутинки и акцентов.
Здесь правит лаконичность, стиль и белый цвет!
Зимний волшебный лес прячется за полупрозрачным занавесом, он словно в дымке, нереален. Где-то там, в глубине сцены танцуют Снежинки и Снегурочка, бродит Мороз (для детей он, конечно, Дед Мороз).
Просто идеальная уютная картинка.

Когда занавес поднимается, мы видим реальный мир людей. Он постепенно наполняется красками, за счёт ярких костюмов скоморохов и других костюмов жителей деревни. Яркое ярмочное действие, весёлое и шутливое.
Великолепные проработанные костюмы подчёркивают славянскую стилистику и в очередной раз напоминают о корнях сказки.

Балет состоит из семи картин. Я даже не заметила как они пролетели! На одном дыхании! Легко и воздушно!
Акцент в этой постановке больше на необычный любовный треугольник - Снегурочка, Купава и Мизгирь. Лель как-то потерялся на их фоне.
Я, как и многие, в восторге от Снегурочки!
Какая же она невесовая и нежная, настоящая, как из сказки!
Её исполнеяет Лименько Анастасия, лауреат Международных конкурсов.
И очень мне понравилась Купава - Бек Мария!
Любовь, ревность и боль в каждом движении.
Для меня "весь" треугольник был великолепен. И эмоции, и легкость, и раскрытие героев - браво!⠀
Но как-то женская часть была сильнее.
А ещё не могу не отметить партию Скоморохов на празднике Весны! Кто видел - поймёт.

Очень рекомендую сходить на этот балет. Можно даже с детьми.
Можно с 7-8 лет, раньше мне кажется не стоит.

Catherine 17 декабря 2018, 09:02
Я никогда не слушала оперу ради музыки. Меня интересовали исторические моменты, визуальные эффекты, но музыка... Вот мюзиклы и оперетты - это вещь, а оперы, между нами говоря, классика, конечно, но уны-ы-ы-ылая. А тут.. Анекдот про "я не люблю кошек" знаете? Как выяснилось, да, я просто не умела их готовить. Я ходила на Моцарта, но кто же знал, что "мой" композитор - Верди? Я получила безмерное удовольствие от "Аиды". Тем более, что ее постановщик П. Штайн сказал, конечно: "Мы с дирижером договорились о том, что будем соблюдать все авторские указания, чтобы "Аида" из пышного шоу вновь стала тем, чем она была задумана – интимной психологической драмой. Перед нами классический любовный треугольник: две женщины любят одного мужчину. Все остальное – политика, война, религия, интриги – фон, на котором разворачивается действие". Но камерной "Аиду" сделать нельзя при всем желании. Слонов не было (эх, жаль, я бы посмотрела!), но лирические любовные дуэты сменялись масштабными сценами в храме Вулкана или у ворот Фив. И это было невыразимо прекрасно.

Торжественный строй жрецов в белых одеждах. Ослепительно ярко блестит медный диск. Молодой командир египетского войска Радамес и верховный жрец Рамфис просят богов даровать Египту победу.

Египетская армия возвращается из похода. Проходят трубачи, лучники, мечники воины с секирами. И вот наконец появляется он, победитель, Радамес, которому фараон предложит руку своей дочери, но который влюблен в ее рабыню.

Это самая лучшая опера из всех, что были в моей жизни. Она ошеломляюще хороша.

Ольга Сорокина 17 декабря 2018, 01:07
Опера "Аида"
Джузеппе Верди
Сложные декорации к каждому действию, фантастический свет и... тончайшая психология. Чувства! Вот что поразило меня сильнее всего. Как же переданы чувства каждого из героев! Глубоко, мощно и вместе с тем как-то... деликатно, исподволь.
Сидя в зрительском кресле ты в первую очередь видишь шикарные картины, среди которых разворачивается действие, будь то дворцовые интерьеры, городские улицы, площади, своды храмов или берега величественного Нила, и даже, кажется, египетскую пустыню и палящее солнце ты тоже видишь. Декорации столь необычны! Они масштабны и минималистичны одновременно, как одновременно сложны и схематичны. Блестящая работа!
Какое-то время я всё спрашивала себя, чувствую ли в том, что вижу на сцене, Египет?
Да! Да! Это он! - после очередной сцены призналась я себе. И дальше наступило полнейшее погружение в происходящее.
Этот эффект погружения не прерывался даже в минуты смены декораций. Зал в полнейшей тишине просто ждал продолжения волшебства, а это было именно оно. На сцене творилось волшебство.
Конечно, сама музыка Верди волшебна. Но... восхищаюсь талантом Штайна, который с одной стороны сумел вместе с актёрами создать настолько ёмкие образы героев, а с другой стороны максимально подчеркнуть красоту именно музыки! Каждая сольная партия вызывала восторг и трепет! Каждая!
Я полюбила их всех. Аиду (Елена Гусева) за нежность, преданность, чистоту и решительность.
А сцены с Амнерис и с Амонасро настолько драматичны и реалистичны, что боль, отчаяние героини ощущались, кажется, каждым сидящим в зале, как свои.
Радамеса (Нажмиддин Мавлянов) за любовь, цельность, смелость и бесконечное благородство. Женщина во мне отчаянно завидовала Аиде, потому очень хочется, чтоб кто-то точно также любил и тебя.
Я полюбила и Амнерис (Лариса Андреева) за силу, красоту, масштабность внутренних страданий и страстей и искренность, с которой она пыталась спасти любимого. И конечно, я полюбила её за финальную сцену, в которой Штайн, кстати, приготовил всем сюрприз.

До этого спектакля, в моей жизни была только одна Аида - Софи Лорен в старом чёрно-белом фильме.
Здесь я увидела иную Аиду. И она великолепна!

Сходите в театр!

jobimes 7 декабря 2018, 08:35
К классической музыке я имею в основном отношение только как слушатель - у меня многолетний опыт посещения концертов, а последние два года - особенно часто. И вот вчера состоялось мое оперное «крещение» - я впервые послушала живую оперу от начала и до конца. Очень боялась, что мне не понравится, станет скучно, захочется встать и уйти. Но этого не произошло, наоборот, я получила удовольствие! К тому же, слушать оперу на родном языке, да еще основанную на историческом материале, о русском народе – это особое удовольствие.
Как же непросто ставить сейчас классические оперы! И не просто ставить, а заинтересовать, увлечь зрителя и слушателя. Тем более, на оперы ходят, мне кажется, в основном искушенные в театральных и оперных постановках зрители, а не новички, вроде меня.
Опера «Хованщина» была впервые поставлена в 1886 году (122 года назад), и ставили ее по всему миру от музыкально-драматических кружков до крупнейших театров – в Петербурге, Москве, Киеве, Париже, Барселоне, Милане, Дрездене, Нью-Йорке и многих других городах. И поэтому моё особое уважение исполнителям и дирижеру-постановщику оперы театра Станиславского и Немировича-Данченко за то, что увлекли меня своей постановкой. Мне захотелось посмотреть и послушать другие постановки театра, в числе которых 29 опер и 15 балетов. А еще в этом сезоне МАМТ отмечает свое 100-летие!
Конечно, чтобы идти на оперу, тем более, впервые, надо быть немного «в теме» происходящего на сцене. В театре можно купить самую простую программу с кратким содержанием или очень подробный буклет с либретто. Можно заранее найти и прочитать либретто, которое написал сам Мусоргский, в сети интернет. Но даже если заранее не читать либретто, то все равно непосвященный зритель не останется в неведении: строки либретто проецируются над сценой синхронно с действием оперы. Насколько мне известно, эта техническая возможность сейчас используется в большинстве крупнейших театров, ставящих оперу.
В этой опере композитор захотел показать непростое время в период регентства царевны Софьи. Драматизм событий показан в самых разных его проявлениях – борьба за власть и личные интересы князей, борьба в православной вере между старообрядцами и официальной церковью, сильные характеры и пороки героев, отдельные женские судьбы.
Декорации в этой постановке минимальны. Все действие происходит в одних и тех же стенах, изображающих то площадь города, то стрелецкие палаты, то палаты князей, то старообрядческий скит. На сцене – одни и те же столы и лавки, которые переставляются самими актерами, как будто по ходу действия. Костюмы тоже выдержаны в строгой манере. Небольшие отличия в костюмах только у главных героев - князей Хованских, боярина Шакловитого, раскольницы Марфы и подьячего. Остальные группы актеров (народ, стрельцы, их жены) одеты в почти одинаковые костюмы, характеризующие их занятие. Не хочу раскрывать всех художественных особенностей спектакля, которые каждому зрителю интересно, мне кажется, выявлять самостоятельно. Отмечу только некоторые, которые произвели на меня наибольшее впечатление.
Хор с оркестром составляют единое целое, сливаются в звучании, очень красиво.
Досифей в конце первого действия, после слов: «И от стремнин горьких, и от язвин своих изыдоша отступление от истинной церкви русской. Братья, други, время за веру стать православную. На прю грядем, на прю великую. И ноет грудь... и сердце зябнет... Отстоим ли веру святую?» обращается к залу: «Помогите, православные!»
Сцена с Эммой, когда решается ее судьба, когда ее жизнь ничего не стоит и нисколько не зависит от нее, а только от того, кто из князей Хованских – отец или сын – возьмет верх. И всё-таки господь на ее стороне: сначала Марфа, а затем Досифей помешали расправе над девушкой.
Очень понравилась сцена с персидками в хоромах Ивана Хованского в четвертом действии. Звучит дудук и другие армянские народные инструменты, которые передают мелодию оркестру, а затем на сцене танцуют восточные красавицы, призванные развлекать князя. Князю хочется веселиться, но невесело ему…
И последняя сцена, скит отшельников-старообрядцев, когда все ставят свечи и поют. И как свечи уносятся ввысь, а затем постепенно все до одной гаснут…
Аплодисменты постановщикам и исполнителям оперы «Хованщина» в Московском академическом Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко (состав солистов 5 декабря 2018 г.):
Иван Хованский – Дмитрий Ульянов;
Андрей Хованский – Николай Ерохин;
Князь Голицын – Валерий Микицкий;
Боярин Шакловитый – Алексей Шишляев;
Досифей – Денис Макаров;
Марфа – Ксения Дудникова;
Режиссер-постановщик Александр Титель;
Главный хормейстер Станислав Лыков;
Музыкальный руководитель и дирижер-постановщик Александр Лазарев.
БРАВО!

Евгения 27 ноября 2018, 12:31
Музыкальный театр им.Станиславского и Немировича-Данченко - один из самых любимых моих театров. К нему мое доверие настолько велико, что я готова ходить и на оперы, которые мне не очень нравятся, и на "мировые шлягеры", я знаю, что в любом случае, меня ждет чудесный музыкально-театральный вечер.
И в юбилейный, 100-й сезона моего любимого театра, я решила посещать его как можно чаще, как только будет возможность...
И вот вчера выбрала оперу "Тоска" Пуччини - одна из самых красивых, мелодичных и поэтичных... И да, я провела замечательный вечер в театре. Спектакль 100% классика, если Вы поклонник классических постановок, то этот спектакль для вас. У меня был прекрасный состав: Тоска - Ирина Ващенко, Марио - Николай Ерохин, Скарпиа - Алексей Шишляев, за дирижерским пультом - маэстро Вячеслав Волич, оркестр - на высоте. В общем, что нужно еще для меломана?
И несмотря на то, что я сейчас увлекаюсь несколько более современным театром, после спектакля подумала, что иную "Тоску" я и не представляю.

Catherine 17 октября 2018, 06:26
Балет "Манон" был написан Кеннетом Макмилланом, руководителем Королевского балета. Музыкальные номера взяты из различных произведений Жюля Массне и оркестрированы Лейтоном Лукасом. В основе сюжета - книга аббата Прево, но, как вы, наверное, уже заметили, действие перенесено из 1730-х в 1780-е. Зачем? Ну, может быть, чтобы показать упадок общества накануне Великой Французской революции.

Балет трехактный, идет три часа. И все три часа я не скучала ни минуты. Потому что там не просто танцуют, там живут на сцене. И в то время, как в одном углу сцены показывают па-де-де, в другом, играют в карты, разговаривают, флиртуют. И вот это живое действие завораживает. Я очень люблю оперы и балеты, где не забывают, что спектакль - это не просто пение и не просто танец. Хотя, с точки зрения танца у меня никаких претензий, в спектакле с этим все отлично. Нежная и ветреная Манон, верный и влюбленный кавалер де Грие, рисковый и отчаянный брат Манон, важный и уверенный в том, что все можно купить господин Г.М. Мы не просто видим героев, мы видим как раскрываются их характеры.

Изумительно хороша работа художника по костюмам Николаса Георгиадиса. Сразу видно, что это спектакль, в котором речь идет о дворянах конца XVIII века. Шпаги, камзолы, кафтаны, парики... Декорации… О, это не декорации, это практически шедевр прикладного искусства. Спальня де Грие, болота Луизианы, парижские улицы, великосветский салон, все это изображено не схематично, а очень обстоятельно.

Минусы.
Вздыхая: офицеры не носили бород в конце XVIII века. А в спектакле два персонажа с бородами присутствуют, причем растительность явно не природная. Не надо так делать, пожалуйста. Я, каждый раз это бородатое чудо увидев, выпадала из реальности "Манон".

Резюме: бороды, в сущности, - мелочи, спектакль очень рекомендую.

Елена 9 октября 2018, 11:43
Прекрасная «Тоска» в Московском Академическом Музыкальном Театре
Посчастливилось побывать в МАМТ им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировча-Данченко в начале его сотого сезона.
Свою пьесу «Тоска» В. Сарду писал специально для Сары Бернар, премьера постановки состоялась в 1887 году, позже о ней узнал Джакомо Пуччини и получил согласие на использование пьесы. Премьера оперы была 14 января 1900 года в Риме.
Премьера данной постановки состоялась 20 мая 2004 года. Музыкальный руководитель и дирижер-постановщик Вольф Горелик, дирижер Вячеслав Волич, режиссер-постановщик Людмила Налетова.
Мне понравился лихо закрученный драматический сюжет. Из-под стражи сбегает бывший консул Римской Республики, который находит укрытие на вилле у художника Марио Каварадосси (Николай Ерохин). Также консулу помогает его красавица-сестра, портрет которой написал Марио. Возлюбленная художника – певица Флория Тоска (Наталья Мурадымова) ревнует его к девушке, чей портрет он пишет. Префект тайной полиции Скарпиа (Евгений Поликанин) влюблен в Тоску, и решает использовать ее ревность, чтобы раскрыть место, где прячется бывший консул. Он арестовывает Марио и хочет, чтобы Тоска выпросила у него прощение для художника, но эта сильная и преданная женщина убивает Скарпиа. В третьем действии происходит трагическая развязка, но ее лучше увидеть самим на сцене.
В постановке прекрасная сценография. Все происходит на черном фоне, где периодически появляется видео проекция разных цветов. Это то спокойные блики на поверхности моря, то нежные краски неба, то кроваво-красный рассвет. Одежда главных героев тоже меняет цвета в каждом из трех действий.
В этой опере мне запомнились сольные арии Тоски, где она вопрошает у бога, за что на нее обрушились такие несчастья, а уж голос Николая Ерохина и волшебная музыка в начале третьего действия производят на зрителей неизгладимое впечатление.
Хочу также добавить, что трое главных героев подобраны по внешности идеально, верится, что Мурадымова и Ерохин – влюбленная пара, а у Евгения Поликанина получился отличный злодей.
Так что если вы хотите посмотреть классическую постановку оперы «Тоска» с прекрасным вокалом, то советую идти в Московский академический музыкальный театр.

Вера 4 июня 2018, 03:48
Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко находится в историческом особняке в центре столицы. Великолепный театр! Красивый светлый атриум, музей театра, зал впечатляют.

Чтобы создавать неординарные оперы, театр приглашает известных театральный режиссёров: Богомолова, Штайна, Гинкаса (премьера! "Макбет")

Мне повезло увидеть оперу "Аида" в постановке Петера Штайна.

"Аида" Джузеппе Верди была написана для  Каирского оперного театра. События происходят в Мемфисе и Фивах во времена правления. фараонов.
В основе сюжета - трагическая любовь.  Предводитель египетских войск Радамес (Нажмиддин Мавлянов) влюблен в служанку дочери фараона Аиду (Елена Гусева). Аида тоже влюблена в него, но на их пути слишком много препятствий.

"Аида" Штайна - это настоящая любовная драма.
Невероятное эстетическое удовольствие и мурашки по коже. Это 100% моя постановка, поэтому слёзы и эмоции не отпускали долгое время.
В декорациях и костюмах правит лаконичность и геометрия, никакой помпезности и исторической вычурности.
Главное здесь игра солистов и музыка. Искренность в каждом движении, откровенность в каждой вздохе.

Ещё один интересный момент: в первый раз смотрела оперу в таком варианте. Помимо основного антракта были и "технические перерывы". Все перемены декораций происходили за занавесом. В таких технических перерывах была своя прелесть. Можно было обсудить увиденное и подготовиться к следующему действию.
Всего семь действий, семь смен декораций.

Штайн создал на сцене потрясающие картины, наполненные невероятно красивым светом. Словно смотришь альбом с фотографиями. Пространство сцены превращается то в узкий прямоугольник, то открывается вся её глубина.
Здесь Штайн виртуозно играет с пространством, то очерчивает и сужает его, то выпускает на волю.
Везде читаются геометрические намёки: круг, трапеция, квадрат или прямоугольник.
Мои любимые сцены по красоте - это "Храм Вулкана", "Берег Нила" и всё четвёртое действие.
Самая масштабная - "У ворот Хив" с интересным решением пьедестала для фараона.

Египетская стилистика отлично читалась на сцене, больше не надо, иначе сместится акцент.
А акцент должен быть на самом главном - это вокал и музыка. Очень мощное, глубокое исполнение всех главных партий. Чудесный хор! Превосходная игра солистов оперы. Я очень довольна, что попала именно на этот состав!
Не зря после каждого действия со всех сторон зрительного зала звучало "Браво"!

Опера - это гармоничный синтез слова, сценического действия и музыки. И лично мне кажется, что у Штайна всё получилось великолепно и просто. Даже с таким финалом! Верди создал любовный треугольник, а Штайн его эффектно погубил.

Опера исполняется на итальянском языке с русскими титрами.

Кстати, у театра есть парковка. При покупке билетов, на сайте вы можете купить и парковочное место.

Евгения 3 июня 2018, 09:43
Для меня «Аида» в МАМТ им.К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко стала прекрасным примером классических оперных постановок с замечательным исполнением и интересной сценографией, с четким концептом. Именно то, что так удачно разбавляет мой «репертуар», который в последнее время больше нацелен на более смелые и постмодернисткие постановки.
В опере 7 картин, каждая из которых казалась мне «ожившим полотном» с папирусов или фресок древнего Египта – те же плоские фигуры в профиль, простые формы с четким контуром, яркое солнце, тусклая луна, гробницы и пирамиды. Художник искусно обошел с хрестоматийным представлением Египта, не впадая в банальные картинки «настоящего Египта» – с одной стороны в оформлении спектакля есть все, что приходит в голову про Египет, а с другой стороны ни одна ассоциация не была показана впрямую, даны намеки, а дальше должно работать воображение, которое способно все сделать самостоятельно. И в целом ощущение Египта было в полной мере, возможно, гораздо больше, чем в случае с явным изображением сфинкса и пирамид.
Замечательно поставлен свет, который, возможно, и делал основную работу по превращению объемного пространства сцены в открытки с «плоскими египетскими картинками».
Петер Штайн удивительно четко уловил примитивизм древнеегипетских рисунков и сумел трансформировать их в движение актеров на сцене под музыку одной из самых красивых опер мирового наследия с богатой музыкальной окраской. Я была поражена, насколько гармонично уживались «простые театральные формы» со сложным музыкальным полотном. На сцене минимум движений, многие партии исполнены иногда чуть ли не статично, без лишней динамики. Но если картина оживлялась действием, то оно непременно поддерживало развитие событий. Но при этом нельзя не отметить, что во всех картинах, актеры смогли показать чувства героев. И отличное исполнение партий дополнялось сильным окрасом чувств, что в конце концов осталось ощущение, что «Аида» – это не просто опера на исторический сюжет, это в первую очередь история о любви и выборе человека.

Мари 29 мая 2018, 10:03
Рви сердце, как письмо, на части, сойди с ума, потом умри. "Жизель" в МАМТ

"Театр уж полон; ложи блещут;
Партер и кресла — все кипит;
В райке нетерпеливо плещут,
И, взвившись, занавес шумит."
А.С. Пушкин

"Жизель" вживую (если не считать многочисленных записей) я видела только в Большом Театре в редакции Григоровича, поэтому с большим удовольствием пошла в МАМТ сравнить с абсолютно классической постановкой этого театра (художественный руководитель балета - Лоран Илер). Балет "Жизель" люблю за его незатянутость и динамичность, во-первых, а во-вторых, за потрясающую атмосферу второго акта с виллисами, фантастическими существами, мертвыми невестами, увлекающими случайных путников в смертельный танец в ночи. Идею балета Теофиль Готье почерпнул у великого немецкого поэта-романтика Гейне, сочинив историю бедной крестьянской девушки Жизель, обманутой молодым графом Альбертом, его соавтором стал известный либреттист Жюль-Анри Вернуа Сен-Жорж, а музыку сочинил талантливый и чрезвычайно продуктивный композитор Адольф Шарль Адан, имевший в своем багаже на тот момент множество опер-буфф и несколько опер и балетов.

Краткое содержание балета в версии В. Ходасевича:

Да, да! В слепой и нежной страсти
Переболей, перегори,
Рви сердце, как письмо, на части,
Сойди с ума, потом умри.

И что ж? Могильный камень двигать
Опять придётся над собой,
Опять любить и ножкой дрыгать
На сцене лунно-голубой.

Сценография в МАМТ выполнена в классическом стиле, и костюмы, и офрмление сценического пространства, в первом акте на сцене деревенский дом Жизель и охотничий домик, а в глубине - декорации леса, выглядящие легкими и объемными, заполняют весь задний план; во втором акте действие переносится на кладбище, появляется одинокая могила, а лес преображается с изменением подсветки на лунно-голубую и становится мистическим и зловещим.

"Жизель" - очень женский балет, и в первом действии все внимание традиционно обращено на девушку; графу Альберту и лесничему Гансу пока танцевать особо нечего. Оксана Кардаш с первых же ее па на сцене произвела впечатление потрясающей легкости. Я не так-то часто вспоминаю пушкинское "летит, как пух от уст Эола; то стан совьет, то разовьет и быстрой ножкой ножку бьет", и хореография бывает разная, и балерины попадаются не совсем, как пух, но Кардаш прелестно передает радость юной влюбленной девушки, порхая в счастливом танце по деревенскому дворику. Значимое па-де-де первого акта (танцуют деревенские юноша и девушка) получилось вполне достойным в исполнении Жанны Губановой и Иннокентия Юлдашева. Юлдашев показался в начале танца несколько тяжеловатым, но в середине распрыгался, и появилась желаемая легкость.

Заключительную сцену первого действия, сумасшествие и смерть Жизель, Кардаш танцевала безукоризненно, но несколько не хватало драматичности, на мой взгляд, однако, тут интересная штука, я замечала, что те балерины, кому не хватает драматизма в этой трагической развязке первой части балета, блистательны во второй. Так оно и оказалось, совершенно фееричным было первое же появление Жизели-виллисы, когда ее призывают из могилы другие виллисы, и она исполняет зловещий танец не до конца пришедшей в себя новой инфернальной сущности, будучи управляемой главной виллисой Миртой (Мария Бек танцевала ее безупречно).

Кордебалет очень порадовал, во втором действии он является полноценным главным персонажем наряду с Жизелью, Альбертом, Миртой, не говоря уж о Гансе, и очень важна синхронность и идеальные ряды виллис. Я помню, как восхищалась кордебалетом Большого Театра, так вот МАМТ тоже показал высочайшую техничность. Виллисы должны двигаться абсолютно синхронно, создавая своим танцем видимость единой потусторонней силы, не распадающейся на отдельные сущности, не имея личностной уникальности и воли. Все, кроме Жизель! А кордебалету и, конечно, педагогам-репетиторам, в списке которых я вижу блистательные имена заслуженных и народных артистов России - браво.

Лесничему Гансу с его трагической судьбой и во втором акте доводится потанцевать совсем немного, но народный артист России Георги Смилевски великолепен в этом смертельном танце, и весь образ очень органичен в целом.

Альберта танцевал Иван Михалев. В первом акте, где, как помнится, танцевать графу мало чего имеется, он блистал своей осанкой и великолепной внешностью танцовщика - высокий, статный, элегантный, широкоплечий, на голову выше Кардаш. Очень хотелось посмотреть, как он справится наконец со сложной партией во втором акте, ну и справился он, на мой взгляд, просто отлично, все как по нотам в сольных танцах, высокие легкие, но мощные прыжки, зависание, а в дуэтах с Кардаш, где большую часть партнер находится в тени партнерши, подкручивая и перенося ее по сцене, можно отметить с какой легкостью делал это Михалев, в его руках Кардаш казалась невесомой, как пушинка, как настоящая, ничего не весящая виллиса, парящая, благодаря графу, над сценой.

И еще раз про Оксану Кардаш пушкинское (у него, конечно, про Истомину и нимф), лучше не скажешь:

Блистательна, полувоздушна,
Смычку волшебному послушна,
Толпою нимф окружена,
Стоит Истомина; она,
Одной ногой касаясь пола,
Другою медленно кружит,
И вдруг прыжок, и вдруг летит

Оркестром дирижировал Роман Калошин, все идеально, и соло на альте, гобое и арфе прекрасны, музыку Адана ведь можно сравнить с родниковой водой - чистой, хрустально-прозрачной, звонкой, ради одной только этой музыки можно идти на спектакль, но и сам балет в этом составе получился достойным, а за последние годы уровень МАМТ вообще сильно вырос, и театр вполне может конкурировать с главным балетным театром страны.

Елизавета Ефремова 23 мая 2018, 02:51
"Дон Жуан" в МАМТ

"Дон Жуан" Моцарта - гениальная опера гениального композитора, успех у зрителей обеспечен, остается лишь интересно поставить и хорошо исполнить и, к счастью, это Московскому академическому Музыкальному театру им.Станиславского и Немировича-Данченко прекрасно удалось. Оформление сцены очень лаконичное, но много говорящее, как собственно и во всех постановках Александра Тителя, которые мне посчастливилось видеть. Основная декорация - громадная вращающаяся стена. С одной стороны она выстроена из разрушенных пианино и под их звучание Дон Жуан разрушает жизни людей. Другая ее сторона оплетена розами - розы цветы любви, но они под своей красотой прячут острые шипы. Стена из пианино - стена страстей, стена из роз - стена праздников и любовных признаний. Дейстие постановки происходит в трех измерениях, так как певцы используют не только плоскость сцены, но и вертикаль стены, а певцы в МАМТе замечательные. Редко мне попадались такие прекрасные составы, когда все исполнители на высоте, никто не отстает и не царапает глаз и ухо слушателя. Дон Жуан - Дмитрий Зуев - абсолютное попадание в роль: красивый мужчина красивым голосом соблазняет красоток и конечно же они просто обязаны падать в его обьятия. Все три женских партии исполняют юные, стройные и красивые певицы: Донна Анна - Мария Макеева, Донна Эльвира - Наталья Петрожицкая и Церлина - Евгения Афанасьева. Когда видишь их на сцене и слушаешь их голоса, то понимаешь Дона Жуана, который никак не может определиться с той единственной: ему хочется владеть всеми. Лепорелло - Денис Макаров - именно таким Лепорелло просто обязан быть: кругленький, хитренький, себе на уме. Кого же я забыла... Да! Дон Оттавио - Богдан Волков - прекрасный тенор из Большого театра. Так как Большой становится все более финансово недоступен, хотелось бы таких замечательных певцов как Волков, почаще слышать на гораздо более демократичной сцене МАМТа. Хор, оркестр, миманс - все в этом спектакле гармоничны и всем хочется сказать "Спасибо"!

Наталья 22 мая 2018, 11:52
Постановки МАМТ - это всегда нечто особенное, исключительное и незаурядное. 19 мая побывала на опере "Дон Жуан", язык исполнения – итальянский, а показалось, что родной! Пространство сцены занимает мрачная, черного дерева конструкция из поставленных друг на друга фортепьяно, на которых в начале первого действия герои играют соло, каждый свое… Прекрасные дамы в золотисто-бежевых платьях Донна Анна и Донна Эльвира смотрятся на этом фоне особенно изысканно и утонченно. Мария Макеева создает образ Донны Анны, как женщины сильной духом, порывистой и импульсивной, охваченной жаждой мести за смерть отца. Эльвира (Наталья Петрожицкая) – покинутая невеста, терпелива и сдержанна, не оставляет надежды образумить Дон Жуана и наставить на истинный путь.
Иллюстрируя романтическую часть оперы, декорация поворачивается к зрителям стеной, усыпанной гроздьями винограда. А здесь уже свадьба, но даже она не станет препятствием для героя-любовника, если он задался целью соблазнить наивную, но ветреную невесту Церлину, этот запоминающийся, местами комедийный образ создала Евгения Афанасьева. Все женские голоса сопрано многозвучные, переливчатые, с красивым эмоциональным окрасом – взволнованные, властные, насмешливые.
Партии Дона Жуана исполняет баритон Дмитрий Зуев. Кошачьим взглядом скользит он по залу, кажется и там высматривая очередную «жертву»! Его Дон Жуан возникает призрачным силуэтом, он самоуверен и спокоен до равнодушия, к тому же жесток, как по отношению к женщинам, которых использует для удовлетворения своей похоти, так и ко всем, кто мешает ему на этом пути. Так повествование начинается с убийства командора, отца Донны Анны, а затем мы наблюдаем безжалостное избиение простака Мазетто – жениха Церлины.
Денис Макаров перетягивает зрительские симпатии на своего персонажа, слугу Дон Жуана – плута Лепорелло, который, несмотря на всю преданность, при случае готов «заложить» хозяина, он по-отечески читает нравоучения Дон Жуану, но при этом ведет амбарную книгу его любовных побед и мечтает хотя бы раз оказаться на его месте.
Музыка Моцарта гипнотизирует, а солисты составляют мозаику из множества различных фрагментов и ни один из героев оперы не находится в тени! Голос Марии Макеевой в композиции «Non sperar, se non m'uccidi» к сцене, в которой Дон Жуан пытается соблазнить Донну Анну, созвучен соловьиной трели. Запомнились романтичный дуэт Церлины и Дон Жуана "Là ci darem la mano", комичная песенка Мазетто (Максим Осокин) «Ho capito, signor sì», стремительная ария Дон Жуана с шампанским "Fin ch'han dal vino calda la testa", особенно красиво, музыкально и гармонично звучат голоса в трио, квартетах и ансамблях.
МАМТ традиционно приятно удивил сценографией, непохожестью на другие оперы, безусловным талантом и увлеченностью исполнителей!

Елена 20 мая 2018, 08:51
"Дон Жуан" Моцарта в постановке Александра Тителя - живой, остроумный, изящный спектакль, сильно приближенный к современному зрителю. Временами - просто Вуди Аллен какой-то. Больше комедия, чем трагедия: даже эмоциональные драматичные сцены полны иронии. Благодаря артистизму исполнителей, интересной сценографии и костюмам, это еще и замечательное зрелище, возможность прекрасно провести вечер. Я, конечно, иногда вспоминала, что в это же время на Малой сцене идет Гендель в постановке Богомолова, но сразу же забывала об этом, погружаясь в волшебный мир Моцарта.
Основной элемент сценографии - черная квадратная мобильная стена, как бы сложенная из множества поставленных друг на друга пианино: это наказание, смерть, страсть, темные инстинкты, но еще и творчество. Когда стену поворачивают, мы видим обратную сторону страсти и творчества - наслаждение, витальность. Эта сторона увита виноградными гроздьями клубничного цвета и эротичного вида. Эротики вообще в спектакле довольно много, тема к тому располагает, даже костюмы, в целом довольно аскетичные, легко превращаются в неглиже, не говоря уж о свадебном платье Церлины. Костюмы, за исключением отдельных деталей вроде шляпы Лепорелло, вневременные (художник-постановщик - Адомас Яцовскис, художник по костюмам - Мария Данилова). И даже в самых эмоциональных сценах присутствует ирония (текст, транслируемый на экран) довершает эффект.

Девушки - красотки (самая интересная роль, на мой взгляд - у Натальи Петрожицкой, Донна Эльвира), Дон Жуан (Дмитрий Зуев) - плейбой, Дон Оттавио (приглашенный артист Богдан Волков) - каким и положено быть жениху в данных условиях, Лепорелло и Мазетто - любимцы публики, Командор - благородный отец, одетый в подобие шинели; крестьяне, воинственно размахивающие стульями, не похожи на оперных "пейзан". То, что мы видим, и - особенно - слышим, одновременно современное и вневременное.

Ирина О. 20 мая 2018, 02:59
Дон Жуан. Опера В.-А.Моцарта в МАМТ им. Станиславского и Немировича-Данченко. 19.05.2018.


Действие происходит в тот год, когда в Испании был огромный, просто немыслимый урожай винограда. Красные грозди, вино, музыка и любовь – вот главное, что есть в постановке.

Огромные виноградные гроздья сверху донизу стены, «изнанка» которой – поставленные друг на друга фортепиано… которые и сами по себе музыкальные инструменты, а, при определенной подсветке, превращаются то в позолоту стен и мебели в доме Жуана, то в алтарь с лампадками, то в стену кладбища.

Вино здесь льется рекой и в глотки свадебных гостей, и – на платье невесты. Ибо, как в этом уверен дон Жуан, наряд надо тут же снять и просушить… ну, а пока он сушится, можно объяснить деревенской девушке, что такое любовь. А то кто это еще объяснит? Жених? Не смешите: еще раз, уже нарочно облитое невестой платье «сушить» не нужно… а вот проливаемого вина жалко – его обилие куда важнее обилия «чувств».

Любовь…
Когда в финале, после гибели Дон Жуана, все прочие поют (дословно не запомнила, что-то типа) – мол, всем плохим людям – беда и смерть, а все мы, хорошие, будем жить и радоваться…В общем, лично мне это показалось издевательским стёбом под хорошую музыку. Не поверила я в искренность.
Потому что Дон Жуан, хоть и заигрывался частенько (тысяча с лишним «осчастливленных» жительниц Испании – не многовато ли?), но он был единственным из мужчин, кто нес в себе Любовь (и, между прочим, не всегда неискреннюю), Радость, Счастье и Удовлетворение жизнью.

И даже дона Анна, как мне показалось (или не показалось?) охотится за Жуаном не из желания мести за отца, а просто… ушел… даже имя не назвал… хоть раз бы еще встретиться с ним.
И свадьбу с доном Оттавио она откладывает не столько из скорби по родителю, сколько потому, что не мил ей этот хороший, преданный, но скучный человек. Впрочем, на это в финале и скорбь наложилась: Жуан-то пропал навсегда…

Но – навсегда ли? «Пожатье каменной десницы» Командора увлекло его не в преисподнюю, а… в чрево фортепиано – где изнанкой не адский огонь, а, как мы помним, сладость гроздьев винограда и вкус на губах молодого вина.

Опера исполняется на итальянском языке – и я впервые в своей театральной жизни переместилась на дальние ряды – МАМТ осчастливливает зрителей текстовой строкой над сценой (в данном случае, несмотря на знание либретто, она была мне необходима).

Музыка, конечно, прекрасная. А мне, оперному неофиту, было приятно услышать со сцены две знакомые мелодии.
По голосам я выделила для себя Дмитрия Зуева (Дон Жуан) и Наталью Петрожицкую (Донна Эльмира). По качеству драматического существования на оперной сцене – Дениса Макарова (Лепорелло).

Валентина 30 апреля 2018, 12:24
Мадам Баттерфляй заиграла новыми красками, Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко предал новые цвета легенде.
Сузуки, Ксения Дуднкова, верная служанка. И снова этот дуэт женский, в этой опере Гусева и Дудникова, становится беспроигрышным! Изумительная игра и голос актрисы, певицы, второго плана прекрасно дополняет приму! Наполняет душой красоту. Такая теплота идёт от героини Дудниковой что невольно иногда аплодируешь ей щедрее. Её меццо-сопрано не такое высокое в форте как у сопрано Гусевой, но ведь ей и не надо так, ей краше доброта и нежность.
Сузуки, Ксения Дуднкова, верная служанка. И снова этот дуэт женский, в этой опере Гусева и Дудникова, становится беспроигрышным! Изумительная игра и голос актрисы, певицы, второго плана прекрасно дополняет приму! Такая теплота идёт от героини Дудниковой что невольно иногда аплодируешь ей щедрее. Её меццо-сопрано не такое высокое в форте как у сопрано Гусевой, но ведь ей и не надо так, ей краше доброта и нежность.

Ожидаете увидеть на сцене некого Аполлона в роли Пинкертона? Но что там какой то Аполлон если звучит тенор Николая Ерохина! Одновременно влюблён и ненавидишь Ф.Б.Пинкертона. И музыка Джакомо Пуччини плетёт свои кружева.
Изумительная аллегория и такая точная в отражении этой поэтичной страны: часы ожидания идут фонариками бумажными помахивая в темноте.

И такой трогательный маленький актёр! Такая чудесная роль! И такая важная роль!

Конечно не состоялось бы оперы без Андрея Батуркина (Шарплес), Валерия Микицкого (Горо) - но всё же это второй план, не ведущий.

Несмотря на всю заранее известную трагичность истории не раз улыбнуться заставили костюмы люда японского. Такие гипертрофированные и забавные, не страшные, но разряжающие накал страстей своей некой комичностью.

kogda.leto 11 марта 2018, 05:56
В снежный весенний день мы с Кирой познакомились с еще одним видом театрального искусства: оперой. Для первого знакомства мы выбрали оперу "Волшебная лампа Аладдина" в Московском академическом Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко.

Знаменитую сказку об Аладдине знает каждый и тем интереснее смотреть спектакль, зная все повороты сюжета. Наслаждаться великолепной музыкой, прекрасными голосами, интересными декорациями и самобытными костюмами.

Любоваться костюмами можно бесконечно; насколько они яркие и интересные, с прекрасной вышивкой, множество бусинок, блестящие ткани. Обилие прозрачных тканей создает волшебный флер вокруг прекрасной Будур. Даже у второстепенных героев костюмы продуманы до мелочей: широкие восточные штаны, уникальные головные уборы; различные накидки. На восточном базаре вы не найдете горожан в одинаковых костюмах: яркие ткани, восточные фасоны, невообразимые головные уборы. Получился настоящий рынок на Востоке: многолюдный, шумный, многоцветный. Вряд ли какая зрительница осталась равнодушной к блеску драгоценных камней! Казалось бы, красок и яркости уже и так через край, но дети в костюмах рубинов, топазов и бриллиантов добавили еще больше блеска в сцене во дворце султана! БРАВО!

Очень интересные декорации: такие простые на первый взгляд, но при этом они в каждой сцене превращаются то в непроходимый лес, то сталактиты-сталагмиты подземной пещеры, то в зеркальные стены прекрасного дворца.

Очень было интересно: как же создатели спектакля реализуют огромного Джинна - раба лампы. С помощью огромного экрана и мультимедийных технологий все получилось словно в сказке! Он был действительно гигантский! И что интересно: совсем не похожий на Джиннов, которых я видела в книгах. Получился совершенно уникальный и, я бы даже сказала, неожиданный)

Всем актерам, балету, оркестру - БРАВО! Их коллективный труд, прекрасная музыка, великолепные костюмы превратило восточную сказку в настоящее волшебство! Блестки и мыльные пузыри - очень неожиданное решение для театра. Принцесса Будур, танцующая под дождем блесток, - магическое зрелище!

Джинн кольца (Дмитрий Кондратков) появлялся во время спектакля всего несколько раз, но каждое его появление было фееричным! Джинн - поклонник Майкла Джексона - это что-то неожиданное) Его одеяние, движения! Здорово, что в таком серьезном музыкальном театре есть место чувству юмора. БРАВО!

Если вам захочется яркого, великолепного и интересного зрелища, то восточная сказка а МАМТе - это то, что вам нужно! Вы попадете в волшебный мир "1001 ночи", где вас буду ждать злые волшебники, блеск драгоценных камней, многоликий и многолюдный восточный базар, волшебные вещицы с послушными Джиннами и, конечно же, любовь!
Если вы еще не определились: любите ли вы оперу или нет, то опера по сказке, которую вы хорошо знаете - хороший вариант для первого знакомства с оперным искусством)
Я получила настоящее удовольствие от спектакля и рекомендую эту оперу для обязательного посещения детям и их родителям)

МАМТ - само по себе магическое место! Синий цвет, который встречает тебя повсюду притягивает и понимаешь, что это любовь с первого взгляда и навсегда)

Евгения 5 марта 2018, 12:35
Моя театральная весна началась в любимом МАМТе премьерой оперы Леша Яначека «Енуфа». Буду откровенной что я очень сомневалась идти или не идти еще на этапе только анонса что А.Титель в этом сезоне ставит эту оперу. Уж больно сюжет какой-то грустно-банально-бытовой как мне казалось. Но мне так нравится режиссерский почерк главрежа МАМТа, я полностью доверяю этому режиссеру, что любопытство одержало верх. Постановка оказалась удивительно светлой и с невероятным глубоким смыслом. В конце второго акта когда Енуфа- Елена Безгодкова оплакивала своего ребенка я с трудом сдерживала слезы. В третьем действии я решила не сопротивляться и всплакнуть... Несмотря на тему, на трагичность сюжета, в целом остается ощущение света в финале, тема всепрощения делает это произведение "надбытовым". При этом сама по себе музыка удивительна - 20 век и моравские напевы. Восхитительная сценография и потрясающий свет, сильные исполнители, интересные режиссерские ходы, все это позволяет назвать эту постановку жемчужиной репертуара. Я бы посоветовала не бояться сюжета, а пойти и насладиться этим изысканным спектаклем

Елизавета Ефремова 2 марта 2018, 03:36
Енуфа или мадонна со шрамом
Сложно писать о спектакле если он совсем не понравился или наоборот понравился очень. Опера Леоша Яначека «Енуфа» в Музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко относится ко второму случаю. Обычно, когда делишься впечатлениями после спектакля, то говоришь: «была прекрасная музыка», или «у исполнителей прекрасные голоса», или «интересный сюжет». После «Енуфы» я не могу сказать что-либо подобное: для меня спектакль оказался чем-то целым и неделимым - в нем невозможно отделить музыку от сюжета, а голоса исполнителей от судеб их героев. А история нам была рассказана с одной стороны абсолютно простая – первый парень на деревне соблазнил влюбленную в него девушку и бросил с ребенком – но, с другой стороны, это история о величии любви, о любви возвышающей душу и о любви, толкающей на преступление.
Исполнительница роли Енуфы – Елена Безгодкова демонстрирует не только вокальный талант, но и отточенное драматическое мастерство, такой Енуфе веришь с первого появления ее на сцене: веришь, что она первая красавица деревни, веришь, что она нежно любит беспутного Штеву (Евгений Либерман) и от вей души желаешь ей счастья. Но не зря ее мачеха Костельничка (Ольга Гурякова) предупреждает о неверности Штевы, о невозможности создания с ним счастливой семьи – Штева еще не нагулялся, ему не хочется лишать себя свободы. Зачем ему беременная, да еще и изуродованная Лацем (Кирилл Матвеев) Енуфа - Штева легко найдет себе богатую и престижную невесту.
Казалось бы действие оперы происходит в очень узком кругу, это не только жители одной деревни, но и члены одной семьи. Енуфа и Штева – двоюродные брат и сестра, Лаца – пасынок отца Штевы, а есть еще и глава семейства – Старая Бурыйя (Ирина Чистякова), потерявшая двух красавцев-сыновей. Но цельность характеров, сила чувств героев, превращает казалось бы бытовую историю в трагедию общечеловеческого размаха. Костельничка столь беззаветно желает Енуфе счастья, что топит в проруби ее новорожденного сыночка, спасая Енуфу от позора, и надеясь выдать ее замуж за влюбленного Лаца. Но это преступление оказывается напрасным: Лаца ради любви к Енуфе готов был любить и ее ребенка.
Оформление спектакля одновременно и лаконично и символично: основной элемент на сцене – упавший ствол громадного дерева с отпиленными сучьями, этот ствол делит сцену, как и жизнь героев на две части, но затем этот ствол распиливают, освобождая для Енуфы и Лаца дорогу к счастью.

Светлана 19 февраля 2018, 07:58
Мне посчастливилось побывать на цеховой экскурсии в Московском Академическом Театре имени Станиславского и Немировича-Данченко . Давайте начнём с техническим моментов , до того, как я покажу и расскажу вам о закулисной жизни театра . На сайте Театра есть информация о проводимых в нем экскурсиях , там же можно купить билеты,- экскурсия по театру, и экскурсия по цехам . Советую сходить - интересно и совершенно меняет взгляд на театр.
Я была уже в закулисье театров , но именно такую организацию вижу впервые . Кстати, проводил экскурсию главный художник театра Владимир Арефьев . И это особенно интересно, потому что человек знает и любит театр , и слишком многое в нем родилось его талантом и его руками .
Любуясь воздушными прыжками балерин, мы помина о том, что в Театре есть гримерки и своя жизнь , но целый огромный пятиэтажный корпус⁉️ для меня это оказалось сюрпризом . Особенность именно этого театра, что он , словно орбитальная станция, находится на полной системе обеспечения театральных. Постановок .
Все, все для каждого спектакля производится и хранится именно здесь . А спектаклей в репертуаре 40 . И они обязательно показываются в течение театрального сезона. Все это огромное количество декораций и реквизита хранится в специально оборудованном подземном помещении. Подписанные и пронумерованные демоны в коробках , виноградные гроздья, конструкции ( часто весящие сотни килограмм ) ,- все ждёт того момента , когда в свете прожекторов снова будет блистать перед нами на сцене .
Очень много предметов , о самом существовании которых ты даже и не догадывался : например специальный амортизирующий пол для балета .
Теперь посмотрим, где рождаются все эти шедевры . Столярный цех, где высококлассные специалисты работают с деревом ; слесарный,- где изготавливаются все металлические составляющие . Надо особенно отметить, что работающие в них специалисты- совершенно особенные . Это открытые всему новому и любым экспериментам , мастера своего дела . Ведь чаще всего их задача не просто что-то изготовить , но и придумать КАК это создать .
Поднимаемся чуть выше - в цеха настоящего волшебства : бутафорский и цех декорирования . Эти мастера умеют все , это вулкан фантазии, красоты и огромного опыта работы .
Дальше- цеха по изготовлению женских и мужских костюмов , оборудованные удобными просторными примерочными . Продуманы все детали . Например свет приближён к свету на сцене, чтобы видеть так, как будет видеть зритель, а для выравнивания длинных юбок есть специальный подиум .
Отдельного изготавливается обувь и головные уборы .
А теперь движемся в хранилище театральных костюмов . Бесконечные ряды чистых, отглаженных и готовых в любой миг к выходу на сцену нарядов . Все идеально упаковано и классифицировано.
Бутонами пионов или притаившимися фламинго выглядят балетные пачки .
В таком помещении я могла бы остаться на месяц ,- бесконечно рассматривать детали и , конечно, все примерять . Но продолжительность экскурсии два часа и надо спешить .
Осматриваем прачечную . Почему никогда не думаешь о ее существовании, сколько бы ни ходил в театр?
И дальше- гордость театра - красильный цех . Многие идеи художников по костюмам можно воплотить только с помощью специально покрашеных тканей . И вот в огромном баке на 1200 литров - варится может быть чьё то будущее платье или фрагмент декорации .
Думаете на этом все? А просторный и светлый декорационный цех, а гигантские грузовые лифты , с абсолютной системой безопасности, а карманы сцены, системы транспортировки реквизита и декораций?
Всего не рассказать . Огромное спасибо за возможность побывать на экскурсии в http://stanmus.ru/

Елизавета Ефремова 19 февраля 2018, 05:08
В предверии «Енуфы»
В последний день февраля в Московском академическом Музыкальном театре ожидается премьера оперы Леоша Яначека «Енуфа». Эта опера ставилась в России всего пару раз, а в Московские театры ее не ставили никогда. При этом «Енуфа» в прошлом году исполнялась на двадцати трех оперных площадках разных стран и хорошо знакома мировому оперному сообществу. В предверии премьеры, МАМТ проводит несколько встреч со зрителями под общим названием «Говорим о "Енуфе"». 18 февраля состоялась первая из запланированных встреч и разговор был с режиссером оперы "Енуфа" Александром Тителем. Вел встречу руководитель мастерской режиссуры Института театрального искусства Сергей Сидоренко.
К сожалению опера не является любимым жанром нашего зрителя, а произведения славянских композиторов ему практически не знакомы. Залы заполняются на таких оперных шлягерах как «Кармен» или «Травиата», а, например, безусловный шедевр Белы Бартока «Замок герцога Синяя Борода», обходится стороной. Именно поэтому руководство МАМТа решило заняться предпремьерной подготовкой потенциального слушателя. Похожие встречи уже проводились непосредственно перед спектаклями, но такая массовая атака совершается, пожалуй, впервые.
18 февраля Музыкальная гостиная театра была практически полностью заполнена любителями оперы. Состоялся действительно полноценный разговор, а не просто выступление или сеанс вопросов и ответов. После вступительного слова Сергея Сидоренко, Александр Титель очень ёмко и эмоционально рассказал об истории создания и оперы «Енуфа», о Леоше Яначеке и о работе над новой постановкой. Присутствовавшие слушатели приняли активное участие в обсуждении, было много интересных и неожиданных вопросов. Наверняка многие, после завершения встречи, уходя, заглянули в кассу и купили билеты на премьеру.
Конечно приятно, когда театр демонстрирует заинтересованность в зрителе и пытается его привлечь на свои постановки, но мне кажется, что и так, все побывавшие 18 февраля в Музыкальной гостиной Московского академического Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко, рано или поздно пошли бы на «Енуфу». Но преданными любителями оперы полностью зал не заполнишь, а как привлечь новых зрителей, не очень понятно.

Светлана 15 февраля 2018, 11:25
Сегодня я смотрела балет «Манон» в музыкальном театре им.
Станиславского и Немировича-Данченко http://stanmus.ru/. Хотя сказать смотрела ,- это обмануть , поскольку эти три часа участвовала, вдыхала, сопереживала , замирала, восхищалась... Сегодня и завтра , 12 февраля , в Театре возобновление этого балета после двухлетнего перерыва .
Все знают историю любви Манон Леско и кавалера де Грие. Но сегодня она прозвучала особенно пронзительно , возможно потому, что , в отсутствие слов, все оттенки , Всю силу страсти рассказали нам Мелодия и танец .
Музыка Жюля Массне, оркестрованная Лукасом. Балетмейстер Кеннет МакМиллан , он же написал либретто . Постановка создавалась для Королевского балета, и возможно многое в ней нетипично для нас, привыкших к кристальной четкости и чистоте классических линий и поз русского балета. В хореографии МакМиллана тела танцовщиков звучат мелодией любви , они соприкасаются нотами и руками , то сливаясь в унисон, то разделяясь . Парные танцы главных героев,- это одно упоительно- плавное текучее движение, это такая степень взаимодействия тел, когда граница между ними стирается , и движение одного заканчивает другой. Нежно и чувственно одновременно , светло , поскольку это любовь , и гармонично . Все перипетии сюжета возможно понять даже неискушённому зрителю, настолько выразителен хореографический язык и высоко мастерство труппы .
Отдельно хочется сказать о свете . Профессиональные решения, деликатно действующие на нас на уровне подсознания :- восхитительные пурпурные и тускло-золотые тона для изображения французской знати , прозрачно-белый свет для сцен кристальной чистоты чувств , и холодно- равнодушный свет в конце балета .
Порадовали костюмы и декорации . Понравилась находка с зеркалами, затянутыми патиной, в которых отражаются неясные тени персонажей , усиливая ощущение призрачности и иллюзорности происходящего .
Хочется сказать несколько слов о самом Театре : огромный, просторный и светлый, с красивым залом , удобными сиденьями и отличной акустикой . Обязательно посетите его , тем более, что 2018 год у театра юбилейный, он будет отмечать своё столетие .

Наталья 14 февраля 2018, 03:32
Премьера балета «Манон» прошла в 1974 году в Британии, постановку осуществил легендарный классик британской хореографии Кеннет МакМиллан. Перенес балет со сцены лондонского театра Ковент Гарден на московскую сцену Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко английский хореограф Карл Барнетт.

Главное свойство талантливой постановки – управление временем, способность сжимать время до мгновения.
Балет «Манон» длится 3 часа 10 минут, состоит из трех действий с двумя антрактами, но ощущение такое, что пролетел всего лишь миг!

Упоительно красивый балет!
Балет, который проживаешь вместе с героями и вместе с каждой нотой дивной музыки Жюля Массне!
Конечно, видно отличие европейской школы балета от русской классической.
Наш балет, это, прежде всего - дух, одухотворённая красота движений, неземное существование, парение в небесах. Европейский – более маскулинный, олицетворяет материю, тело, более земной, но не менее прекрасный.
История легкомысленной Манон Леско и влюблённого в неё до беспамятства кавалера де Грие показана на сцене именно как история любви Мужчины и Женщины. Пожалуй, я в первый раз вижу любовную историю, когда не изображается бестелесное влечение, а передаётся столь чувственно языком танца!
Очень сексуальный балет!
Хореография балета уникальной необычной красоты, тридцати двух фуэте никто не крутил, но были необыкновенно выразительные движения танца.
Дуэт Натальи Сомовой (Манон) и Ивана Михальчева (кавалер де Грие) – идеален, в высшей степени прекрасен, от них невозможно отвести глаз!

И какие разные любовные оттенки передают их движения!
Встреча и вспыхнувшее чувство, проведённая вместе ночь, измена, обжигающая ревность, иступленная любовь!
Наталья Сомова оригинальными движениями показывает своё нежелание уступать напору похотливого богатого господина Г.М., пытается уйти от него, грациозными перекатами через двух партнеров.
В салоне у Мадам Манон видит своего возлюбленного, но не может к подойти, её зовёт нелюбимый, и опять как грациозно и причудливо она делает шаги навстречу, превозмогая себя, через силу.
А когда, наконец, Манон и де Грие получили краткую возможность уединиться для объяснения, она, как волна падающая на берег, через красивейшую групповую поддержку, оказывается у ног кавалера.

В любой сцене, когда Манон и де Грие танцуют вдвоём, происходит магическая остановка времени.
Зритель, глядя на эту восхитительную пару и пропуская через себя электрический накал их притяжения друг к другу, получает эстетическое, глубоко волнующее сердце наслаждение огромной мощи.
Сцены насилия в тюрьме и прощания де Грие с уходящей возлюбленной полны отчаянного трагизма… Казалось бы, прошло совсем немного времени с момента их встречи, но как изменились герои, как жестоко обошлась с ними судьба. От их иллюзий совместного бесконечного счастья ничего не осталось, и подаренные когда-то бриллианты на руке умирающей нищей больной Манон сверкают зловещим блеском. Когда-то Манон, как истинная француженка, именно из-за них пыталась отказаться от настоящей любви в пользу суррогатного чувства. Но теперь, в финале, становится понятно, что слёзы безутешного благородного де Грие стоят всех бриллиантов…

В либретто балета сюжет романа аббата Прево «История кавалера де Грие и Манон Леско» несколько видоизменён, но это ничуть не влияет на суть смысла. Напротив, все сцены настолько интересны и роскошно отыграны остальными танцовщиками и в балетном отношении, и актёрском, что всё понятно и без предварительного чтения краткого содержания!

Первое действие: Париж
Сцена 1: Гостиница неподалеку от Парижа
Сцена 2: Квартира де Грие в Париже
Второе действие
Сцена 1: В салоне Мадам
Сцена 2: Квартира де Грие
Третье действие: Новый Орлеан
Сцена 1: В порту
Сцена 2: В комнате надзирателя
Сцена 3: Болота Луизианы

В главных партиях выступили:
Наталья Сомова – Манон
Иван Михалев – Де Грие
Георги Смилевски – Леско
Сизых Ольга – Любовница Леско
Домашёв Антон – Господин Г. М.
Дирижировал – Антон Гришанин

В сцене, когда Манон вместе с другими женщинами лёгкого поведения высаживают в порту - балерины танцуют без пуант, босыми ногами! Потрясающе видеть, как на мгновение танцовщица становится на кончики незащищенных пальцев!

Московская премьера балета состоялась в 2014 году, но не вызвала восторга у публики, и он пропал на несколько лет из репертуара театра.
За это время спектакль отшлифовали и сейчас театральная Москва имеет возможность насладиться поистине шедевральной постановкой!

(с) pamsik.livejournal

Екатерина Екатерина 14 февраля 2018, 12:11
Это было мое первое посещение оперы. До этого я была только на Оперетте. Муж сопротивлялся руками и ногами, но всё-таки сдался и согласился меня сопровождать, ведь Опера "Медея" принадлежит к числу шедевров французского оперного искусства рубежа XVIII – XIX веков.
Оперу "Медея" мы смотрели в Московском академическом Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко.

О чем опера? Небольшой спойлер:
Предыстория: Когда-то Аргонавты во главе с Ясоном отправились в рискованное путешествие и добыли Золотое руно. Им помогла дочь царя Колхиды Медея, полюбившая Ясона. Обманув отца, она дала аргонавтам возможность похитить сокровище и бежала вместе с ними. Чтобы задержать погоню, Медея убила своего брата, и, разрубив его тело на части, бросила в море.
Обратный путь был долог и опасен. Аргонавты наносили удары врагам и скрывались от преследователей, переезжая из одного места в другое. Так прошло десять лет. За годы скитаний Медея родила Ясону двоих сыновей. В конце концов судьба привела их в Коринф. Ясон, которому опостылела полная риска кочевая жизнь, решил вступить в брак с Главкой, дочерью правителя Коринфа Креонта.
Про что опера?
Первая часть оперы: Главку терзают страшные предчувствия. Она боится мести оскорбленной Медеи. Ясон и Креонт пытаются успокоить Главку.
Вторая часть оперы: Появившаяся Медея клянется, что не допустит свадьбы Ясона и Главки. Креонт требует, чтобы Медея покинула Коринф, но поддается ее мольбам и дает возможность остаться еще на один день.
Часть третья оперы: Медея уверяет Ясона, что смирилась со своей участью, и поручает своей служанке Нерис передать Главке свадебный подарок – старинное украшение. Надев диадему, Главка умирает. Медея убивает своих сыновей и назначает Ясону встречу на священных берегах Стикса.


Всю оперу я пыталась угадать в какое время перенесли действие? По задумке режиссер Александр Титель перенес действие в XX век. Отсюда армейские ботинки на ногах Медеи, простое черное платье с карманами и пистолет, как орудие убийства. И ее убежище среди тетраподов — специальных сооружений, гасящих удары волн. От древнегреческой мифологии зрительно не осталось ничего! Но более точное время определить невозможно... Это может быть как война, так и местная (например, французская) революция.
Впрочем, у меня создалось впечатление, что режиссер задумал внести как можно больше диссонанса между тем, про что поют актеры и тем, что они делают на сцене. Привлечь максимальное внимание зрителя к постановке. Иначе как объяснить, почему в сцене с Креонтом Медея поет: "у ног твоих молю!", а сама при этом сидит и чистит кукурузный початок? И некоторые другие моменты.

Роль Медеи исполняла Наталья Мурадымова. Голос гипнотический, затягивающий своим объемом в постановку...

inessa 11 февраля 2018, 02:20
Как следует из названия - образ Медеи (Наталья Мурадымова) является центральным. Но появляется на сцене она не сразу. Сначала мы наблюдаем Главку (Дарья Терехова) в окружении своих подруг-служанок. Главка - юная простодушная девушка, она искренне любит Ясона (Николай Ерохин) и ненавидит Медею, в которой видит угрозу своему браку и счастью. Зато детей Ясона и Медеи Главка любит как родных и переживает за их судьбу.
Образ Ясона вряд ли вызовет симпатию у зрителя. Он очень слаб и действительно выглядит предателем: Медея помогает ему усмирить дракона и получить Золотое руно, бросает ради него семью, убивает брата и покидает родину. Ясон же, прожив с Медеей много лет, бросает ее ради того, чтобы жениться на Главке и, самое страшное, отнимает у Медеи ее детей.
Медея приходит в Коринф со своей верной служанкой Неридой (Нерис), чтобы отомстить Ясону и не допустить его женитьбы на Главке.
Образ Медеи и притягивает, и отталкивает: это демонстрация того, какой может стать любящая женщина, доведенная до крайнего отчаянья. Как она изменчива, когда ведет диалог с Ясоном: то упрекает его, виня в измене, угрожает страшной карой, то молит вернуться и клянется в вечной любви. И Ясон не может устоять: несколько раз он сам целует Медею, хотя ненавидит себя за это.
Отчаявшаяся Медея принимает решение остаться в Коринфе еще на один день и осуществить свою месть. Главке уготованы отравленные смертельным ядом пеплос и диадема, которые Нерида преподносит ей на свадьбу. Для Ясона же наказание будет более жестоким. Медея принимает решение убить их общих детей, что и становится "ядром" трагедии.
Страшен последний монолог Медеи, когда в женщине борются два начала:
"Но это же мои сыновья!....
Даже если они мои, отец их — Язон!".
Наконец, она решается, и никакие уговоры Нериды уже не действуют на нее: Медея не была бы Медеей, если бы оставила сыновей в руках предателя и лжеца. Последней каплей для нее становится голос Ясона, который оплакивает умершую Главку:
"Бессердечный, ты оплакиваешь только Главку, а сыновья твои?
О них ты не вспоминаешь?"
И Медея уходит за сцену с пистолетом.
Важным штрихом становится "предательство" Неридой своей госпожи - она обо всем рассказывает Ясону и говорит, где Медея, поскольку не в силах вынести страданий невинных детей. Но остановить женщину Ясон не успевает - уже слишком поздно. Медея наставляет пистолет и на Ясона, но он не заслуживает такой легкой смерти. Она кидает пистолет на землю рядом с ним, назначает ему встречу на берегах Стикса и удаляется.

Вывод: постановка достаточна специфична и может не очень понравиться любителям именно "классических" версий из-за переноса времени действия в XX век. Но лично я, например, очень люблю подобные приемы и считаю, что они служат доказательством "вечности" и актуальности классики. Великолепные голоса ведущих оперных артистов и исполнение оперы на итальянском языке также являются весомым поводом к просмотру. Кроме того, спектакль стал лауреатом премии "Золотая маска" в 2016 г. в двух номинациях: "лучшая работа режиссера" (Александр Титель) и "лучшая женская роль" (Хибла Герзмава).

inessa 11 февраля 2018, 02:21
Опера "Медея" в МАМТ им. К.С.Станиславского и В.И.Немировича-Данченко - событие знаковое. На мировых подмостках опера идет уже давно, и в 1950-х гг. роль Медеи исполняла сама Мария Каллас.
Московская премьера состоялась 14 мая 2015 г. Ранее опера ставилась в России только один раз - в Самаре (1982 г.).
Режиссер-постановщик А.Титель полностью сохранил оригинальные либретто и музыку "Медеи" (в Москве опера идет в оригинале, на итальянском языке, с субтитрами) такими, какими они были в далеком 1797 г. Однако, действие перенесено примерно в 1920-30е гг. Так, служанки Главки одеты в старомодные купальники, Ясон и Креонт - в военную форму, Медея - в черное траурное платье, а орудие убийства - не кинжал, а пистолет. В качестве декораций выступают тетраподы - фигурные берегозащитные бетонные блоки, которые служат одновременно символом и защиты, и нападения.

Анна Мартынюк 10 февраля 2018, 11:27
В пятницу нам посчастливилось посмотреть оперу «Медея» в Музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко (https://stanmus.ru/). Нашему вниманию была представлена режиссерская версия «Медеи» Александра Тителя. Он перемещает нас из Древней Греции в 20-к годы, чтобы показать, что страдания Медеи не связаны с каким-либо определенным временным периодом. Мы наблюдаем историю не о греческих мифах, а о женщине, которая лишилась всего, о женщине, которую предали, о женщине, теряющей рассудок от той боли, которую ей причинил любимый. Наталья Мурамыдова была безупречна в этой роли, она отыгрывала каждую эмоцию, становилась нежной, вспоминая о своей любви, жалкой, умоляя Креонта дать ей ещё один день, коварной и безумной, в минуты, когда желание мести превозносилось над всем остальным.
Интересно решение с оформлением сцены: все ее пространство занимают тетраподы (волнорезы, предназначенные для оградительных и берегозащитных сооружений). В первом акте они безучастно лежат на заднем плане. Во втором- они разграничивают пространство: на пережнем плане на тёмном фоне в чёрной одежде страдает и строит свои каварные планы Медея; на втором плане на помосте, все в белом венчаются Главка и Ясон. В третьем акте, тетраподы представляют собой сложную конструкцию, которая в конце рушится. В самый кровавый момент-убийство детей все небо заливает красный цвет.
Это ещё один авторский взгляд на классическое произведение. Всегда мы будем пытаться показать через основы и классику свои изменившиеся чувства и свой изменившийся мир. И каждый раз это неожиданно и интересно.

Елена 26 декабря 2017, 03:16
«Анна Каренина». МАМТ
Лев Николаевич Толстой – один из величайших писателей не только России, но и мира. В наступающем 2018 году мы отпразднуем его 190-летие. К юбилею ИМЛИ им. А. М. Горького готовит к изданию 100-томное собрание его сочинений (в 120 книгах). Только завершенных художественных произведений в нем - 174 (!!!). И из них всего (или целых) три романа: «Война и мир», «Анна Каренина» и «Воскресение».
У каждого свой Толстой, но, наверное, не ошибусь, если скажу, что для большинства его основным произведением является именно «Анна Каренина», «роман из современной жизни», по характеристике автора. И, безусловно, все знают, что «Все счастливые семьи похожи друг на друга, каждая несчастливая семья несчастлива по-своему». И помнят про то, что «Все смешалось в доме Облонских».
Именно «Анна Каренина» - безусловный лидер по числу экранизаций и театральных постановок. При этом поражает и разнообразие постановок. Только в Москве: мюзикл в Театре оперетты, хореографический спектакль в Театре им. Евг. Вахтангова, а в «Театре У Никитских ворот» - «АННА КАРЕНИНА. LECTURE» спектакль по лекции Владимира Набокова, посвященной роману Льва Толстого... И, наконец, балет «Анна Каренина» в МАМТе! Постановка 2016 года, уже прочно вошедшая в репертуар театра.
Не хочу углубляться в анализ музыки, особенностей хореографии и пр. Хочу об ощущениях...
Я когда-то полюбила МАМТ за классические балетные постановки: «Дон Кихот», «Щелкунчик», «Жизель»... Потом пришла пора авангардных Иржи Килиана, Джона Ноймаейра. Сейчас в театре эпоха одноактных балетов, в которых классика сочетается с авангардом. И это хорошо! «Анна Каренина» - «полный метр», конечно. Но в этом спектакле тоже ощущается причудливая смесь классики и нового стиля. Я бы назвала этот балет неоклассическим.
Немецкий балетмейстер Кристиан Шпук очень бережно отнесся к сюжету. Все на месте: несчастливая семья Облонских, Левин и Кити, идущие к своей любви и идеальной жизни, треугольник Анна – Каренин Вронский. Наконец, общество, испорченное и лживое, лицемерно отвергающее Анну. Я бы даже сказала, что в данном случае работа либреттиста и балетмейстра напоминает реферат по литературе, написанный парой отличников. Все проанализировано, разложено по полочкам. Во избежание недопонимания даже «подсказки» есть. Спектакль начинается грохотом колес паровоза (он и на экране, фактически заменяющем декорации). Потом Сережа Каренин, т.е. сын Анны, с игрушечной железной дорогой. Ну и финал, конечно. Березки-декорации все время напоминают: это Россия! Все строго последовательно. Все мотивировано. И скучно!..
Странный спектакль, если уместно такое определение. Все «компоненты» если и не прекрасного, то очень хорошего качества. Музыка «готовая», разных композиторов (Рахманинов, Лютославский, Цинцадзе и Барданашвили), но подобрана очень тщательно. Понятное (что важно) и логичное либретто. Европейский современный танец, очень эстетичный и графичный. Каждый момент спектакля можно не просто фотографировать, а помещать в рамочку и выставлять как готовую фотокартину. Хороши массовые сцены. Замечательны Левин с Кити, катающиеся на велосипеде. Мила идиллия Анны и Вронского в Италии. Очень красивые костюмы. Даже при том, что большинство одето в черное, и танцует на фоне черного – все равно очень красиво. И «цветовые пятна» помогают расставить акценты. «Раскрашивают» эмоции и прекрасно исполненные романсы. За каждым элементом спектакля чувствуется большая и качественная работа, стремление к гармонии, но... В моем случае результат не оправдал ожиданий. Чего-то важного не хватило. Эмоций? Жизни?
Помните, у Пушкина в «Маленьких трагедиях» Сальери говорит, что «музыку разъял как труп». Он (т.е. Сальери) признанный, успешный композитор. А нищий Моцарт – бог. И все. В чем разница между хорошим, талантливым ремесленником и гением?
А вообще, советую посмотреть и составить собственное мнение.
Сайт МАМТ: https://stanmus.ru
Группы театра в соцсетях: в Фейсбуке: https://www.facebook.com/stanislavskymusic/ , ВКонтакте: https://vk.com/musictheatre и Инстаграм: https://www.instagram.com/stanmus/?hl=en . Кстати, на страничке спектакля много профессиональных, очень интересных, и не всегда хвалебных отзывов. Рекомендую.
Огромная благодарность за приглашение moskva_lublu: https://moskva-lublu.livejournal.com/

katusha2002 20 декабря 2017, 07:24
"Анна Каренина" произведение всем известное и даже "заезженное". Столько фильмов, спектаклей..Задача сложная поставить что-то не скандальное, а раскрывающее суть романа, посредством музыки и танца рассказать историю любви и смерти непокорной женщины.

Балет очень структурирован-сцена за сценой идет действие, раскрываются характеры. Главный помощник-музыка С.Рахманинова и В.Лютославского, а также С.Цинцинадзе и И.Барпданашвили. Музыка здесь полноправный рассказчик, неторопливый и внимательный. Она как второе "я" героев, их душа.

Поразило насколько точно был сделан подбор актеров балета на роли. Стива (Алексей Любимов)..да такой и должен быть Стива! Лёгкий, увлекающийся,готовый хоть со всеми барышнями и служанками..ну вы понимаете) Волокита. Его появление вызывало улыбку и смех. Но Долли..маленькая незаметная Долии, страдающая от прхождений мужа, гордая. Танец Ксении Швецовой одновременно и отчаянный, и прощающий.
Прекрасный Вронский-Денис Дмитриев-бравый и грациозный. Его страсть, его танец сквозит холодом. Нет, нельзя сказать, что он расчетлив, нет, он неистово бросает свой любовный пыл к ногам Анны, но огонь этот ярок, но недолговечен. Это здорово сыграно (или станцованно, не знаю как правильно говорить)

Анна. Она представляется мне тут маленькой птичкой-красивой,стремящейся к свободе и счастью.Оксана Кардаш напоминает героинь Одри Хепберн и внешностью и стилем. Может виной тому прическа или осанка? А может стремление ее быть собой, подчиняться своим желаниям. Для Анны в данном случает есть только Любовь. В сценах с Вронским раскрывается ее чувственность и женственнось. А полный страсти танец Вронского и Анны после бала у Бетси поражает своей целомудреннстью, несмотря на откровенные объятия , благодаря именно Анне, сумевшей показать боль от содеянного.
Покорил Левин ( Сергей Мануйлов). Его сцены сельской жизни представлены оригинальным танцем. Мне очень понравился его рисунок и темп (если можно выразится так, опять же). Невероятно завораживающий и пластичный танец/ Меня он поразил.
Все артисты балета заслуживают восхищения игрой и танцем. Строгий, и в тоже время несчастный Каренин, нежная Китти, светская Бетси..Кордебалет. Высочайшее мастерство и артистизм!
Восхищена костюмами-все по моде конца позапрошлого века (а как иначе) из таких струящихся шелковых тканей. Их шелест создавал особое очарование наряду с неземным скольжением пуант. Очень легкий и воздушный балет, несмотря на сюжет и финал.
Много интересных находок.
Паровоз, чей ход оборвал жизнь Анны. С перестука колес начинается балет..им и заканчивается, символично, но и маленький Сережа играет во время своего грустного дня рождения в паровозик.
Велосипед. Очень любопытно было увидеть его на прославленной сцене) А вот именно на нем Левин увез в семейную жизнь свою Китти)
Романсы. Сопрано Марии Пахарь добавляет необычную ноту в этот балет. Её романсы сопровождают Левина и Анну, усиливают их переживания.

Финал. Всем известный. Но это и начало балета. Все в сборе, траур...Анна погибла..но удивительный акцент- в парах женщины отнимают руки от кавалеров. Женская солидарность? Наверное, да. Не каждая может найти в себе смелость взлететь навстречу своему Желанию и Любви и..сгореть в ней.
Это первые эмоции, может где-то наивные, простите. Но удовольствие от постановки Кристиана Шпука невероятное. Очень стильный спектакль! Браво и Браво!

art 8 декабря 2017, 11:39
Давно! Давно так не отдыхала душой! Прекрасный голос Оксаны Корниевской и её видение Графини - Брависсимо! Именно такой хочется видеть светскую львицу, пусть даже в возрасте. Гордую и статную, с движениями царственными. Лучшей графини я не видела.
Станислав Ли в роли князя Елецкого изумителен.
Писать о том как вжился в роль Николай Ерохин нет смысла ибо всё это слова, а это нужно видеть.
Маша! Маленькая роль маленького человека, но даже не находясь в центре событий, сидя у колонны во время девичника у барышни, Дарья Терехова передавала именно те оттенки горничной что хочется увидеть - простой душевной девушки.

Костюмы, которые явно рассказывают что время действия приближено режиссером к нынешнему веку, прекрасное решение! Они скорее усиливают восприятие трагический событий.
Много-много милых, почти не заметных деталей, которые используются для подачи подтекста и усиления акцента нужно видеть, а не читать ! Слова никогда не передадут той энергетики и прекрасного что увидите на сцене!.

romanetto 8 декабря 2017, 04:17
"Что наша жизнь? Игра!" Карты, деньги.. ствол в музыкальном театре.

Театр порадовал нетривиальной постановкой оперы "Пиковая дама" на музыку Петра Ильича Чайковского.

В зале погас свет, зазвучала очень знакомая музыка.. и полной неожиданностью стало появление на сцене сестер милосердия времен Первой Мировой войны! Но каждый режиссер имеет полное право перенести привычное для искушенного зрителя действо в новые условия. Вместо пушкинской эпохи мы увидели очень тревожное время, а хор мальчиков, марширующих в военных шинелях, вызывает не умиление, как было задумано автором либретто Модестом Ильичом Чайковским, а грустные предположения об их дальнейшей судьбе. Сразу же обращаешь внимание, что мальчики топают по лужам, а другие дети гасят водой из канавки подожженную бумажную игрушку, поиграв в "гори-гори ясно, чтобы не погасло", и в дальнейшем вода будет дополнять многие мизансцены.

Оформление сцены завораживает, геометричность, строгость и воздушность высоких колонн воссоздают атмосферу прекрасной архитектуры Петербурга, а использование трех основных цветов - синего, белого и черного - рисуют стильную сценическую картину, вернее, картины, так как конструкция перемещается с помощью поворотного круга и трансформируется.

За исключением переноса действия в другую историческую эпоху постановка довольно консервативна, и хотя костюмы тоже модифицированы в соответствии с отражаемым временем, это тщательно продуманная и красивая костюмированность.

Очень интересна Графиня (Елена Заремба), она не похожа на дряхлую 82-летнюю старушку, ее сценический образ великолепен - статность, горделивая осанка, походка "выступает будто пава" или плывет, властное зловещее выражение лица - все это создает образ не старухи, а колдуньи или инфернальной сущности, над которой и время не властно, и смерть ей не помешает творить мистические дела. Лиза (Елена Гусева) в роли глубоко страдающей девушки и лирична, и трагична, ее вокал передает все оттенки влюбленности, тревоги и отчаяния. Но безусловный центр этой оперы (как и было задумано ее создателями) - Герман (Николай Ерохин). На исполнителя партии Германа ложится основная нагрузка во всех смыслах, роль сложна и драматургически, надо сыграть одержимого человека, балансирующего до поры до времени на грани полного сумасшествия, и, говоря простыми словами, Герману надо много и хорошо петь. Николай Ерохин блестяще справляется с этой задачей, его шикарный драматический тенор заполняет собой все пространство зала, покоряя зрителя свободным владением широким динамическим диапазоном и идеальным сложным верхним регистром.

Следует особо сказать о танцах - в театре отличный балетный коллектив и, соответственно, есть все возможности украсить оперу балетными номерами, опять забыв на время про консервативность: вместо классической пасторали зритель насладится дягилевским номером в костюмах Пикассо. Оркестр филигранно исполнил эту оперу, взяв необычный темп, предложенный дирижером Александром Лазаревым, а мощный хор показал всю свою силу. Прекрасен хорал "Господи, прости ему" у тела застрелившегося Германа, который перед этим исполняет прощальную арию "Что наша жизнь? Игра!", музыка оркестра обрывается..

.. и зал взрывается овациями, благодаря режиссера Александра Тителя и всех причастных к созданию этой постановки за хороший вечер, неувядающую музыку Петра Ильича Чайковского и блистательное исполнение.

alla filippova 29 октября 2017, 11:23
Мне удалось 25 октября побывать на опере «Евгений Онегин»
Надо сказать, сказать осень очень подходящее время для того, чтобы сходить на этот спектакль. Есть в нем какая-то осенняя прозрачность, легкость, горчинка. Ясный холодный воздух, глубокая синева неба, как последний привет уходящего лета, легко дышится, легко размышляется, легко грустится. Все, как Пушкин любил. Вообще, сама опера «Евгений Онегин» - уникальное явление в русской культуре, чуть ли не единственный случай симбиоза двух самых главных, самых знаковых наших гениев, Пушкина и Чайковского. Кстати, Чайковский гений мирового масштаба, а Пушкин, к сожалению, известен более только в русскоязычном мире, ведь если музыка - это универсальный язык, а прозу удается перевести на другие языки более-менее сохраняя дух оригинала, поэзии в этом смысле повезло меньше всего, ее практически невозможно перевести адекватно. Поэтому, нам, к сожалению, до тех пор, пока мы не освоим английский или испанский во всех тонкостях, трудно оценить гений Байрона или Гарсиа Лорки. Также и остальному миру имя Пушкина не говорит столько, сколько нам, а опера Чайковского – хоть немного, но исправляет эту несправедливость.
Постановка в театре Станиславского и Немировича –Данченко (Стасик, как его любовно называют зрители), как будто сделана через призму Пушкинского восхищения осенью. С точки зрения визуального ряда мне все время вспоминались силуэтные иллюстрации к Евгению Онегину – был такой вид искусства (получивший название по имени французского министра Этьена Силуэтта) – когда из бумаги, по очертанию теней вырезались силуэты, в свое время это служило заменой фотографии, а потом развилось в отдельный вид искусства, довольно популярный в России в 19 веке. Когда это сделано хорошо – а в иллюстрациях к Онегину это сделано очень хорошо, такие картины могут быть даже выразительнее обычных – очертания как бы избавляются от всего лишнего.
Так и здесь, так выстроены декорации и мизансцены, так падает свет, что мы видим лучше всего абрис, очертания героев, часто в профиль. Весь первый акт, благодаря выстроенной декорации – лестнице-мостику, тянущемуся через всю сцену и с которого исполнители, практически, не сходят, герои даже движутся в одной плоскости, как в театре теней. Меньше красок, но больше четкости и прозрачности, как в осенних пейзажах. Тему осени задают также крестьянки, в начале акта разбрасывающие по сцене опавшие листья. Потом, после объяснения Онегина и Татьяны в саду, эти листья засыплет снегом. Онегин уходит, бросив свое «Учитесь властвовать собой», несчастная Татьяна, остается сидеть, сжимая руки, на скамейке в саду, а сверху медленно начинает падать снег. Несколько прямолинейно, конечно, но трогательно и красиво. А в конце второго акта –начале третьего, после сцены дуэли, листья и снег сметут со сцены, прямо вместе с телом Ленского, под торжествующие звуки полонеза – который благодаря этому обретает грозное и трагическое звучание. Сама опера довольно статична, в ней мало действия, все интрига развивается в основном через диалоги – и скрытый в них дополнительный смысл. И эта постановка не пытается это как-то преодолеть, а наоборот, усиливает, делает это дополнительной «фишкой», например, после сцены дуэли, все замирает – и тут же, без паузы, начинается третий акт - на сцену медленно выходят и выстраиваются в ряд, вдоль колонн (колонны – это тоже отдельный, доминирующий визуальный объект, вокруг которого строятся мизансцены) все мужские персонажи, включая, видимо, хор или миманс – потому что их _много_. Так они стоят и просто смотрят, пока наконец, уборщики с военной выправкой, не сметают со сцены тело бедного Ленского (отдельный вызов для исполнителя – «скатиться» со сцены под швабрами, наверно требует неплохой акробатической подготовки). И все это время звучит полонез. Как дирижер и оркестр сделали так, что, не изменив не единой ноты партитуры, бравурная танцевальная музыка звучала как военный марш? На этой сцене я поневоле начала задумываться, о вещах, которые раньше ускользали от внимания – насколько мир высшего света был зажат условностями, и как это сурово отражалось именно на мужчинах – жестокие правила чести стоили им жизни, и что и сейчас, наверное, наша жизнь слишком зависит от условностей, хоть и другого рода. И что Онегин, несмотря на свой «байронизм», отношение свысока и показное презрение к высшему свету, на деле оказывается слишком зависим от его мнения, так, что в угоду показной чести вынужден поступиться честью подлинной, вынужден убить своего друга (наверняка, до самого последнего момента надеялся, что этого не случится, но…), и это и есть его главная трагедия. И что как же это все-таки странно, что оба наших главных гениальных поэта напророчили себе смерть на дуэли – сделав их центральными эпизодами в главных своих произведениях.
При этом, еще один интересный момент постановки – центральный персонаж оперы. Не секрет, что в опере своего имени, Евгений Онегин не самая выдающаяся фигура, наиболее красивая партия у Ленского, да и остальные популярные арии отданы не ему, а вообще третьестепенным персонажам Гремину, и Трике (который вовсе и не персонаж даже, а так, «вставной номер»). У Онегина самая большая и запоминающаяся ария – в его объяснении с Татьяной в первом акте, «Вы мне писали, не отпирайтесь». И по большому счету это все, остальные не сильно работают на образ, скорее носят повествовательный характер – двигают сюжет, не имеют выразительного музыкального рисунка. Тем не менее в этой постановке, уж не знаю, было ли это намерение режиссера, или это заслуга недюжинного драматического таланта исполнителя главной роли Дмитрия Зуева, но ему удавалось в течение всего своего пребывания на сцене приковывать к себе внимание. При том, что у него очень красивый и сильный баритон, внешне он также очень подходит на эту роль, что для оперы не является первостепенным – но для зрителя очень, все-таки, приятно. И он не просто пел свою партию – чисто и выразительно, а еще играл Онегина, _был_ им. И его эмоции захватывали – особенно, конечно же в последнем акте, когда он выходит из своего панциря надменности, и его наконец то охватывает страсть. Причем это не только любовь к Татьяне, но и сожаление, о впустую проходящей жизни, и муки совести, и сожаление о погибшем друге.
Последний акт настолько выразителен, настолько драматичен, так захватывает. Даже «белая пантомима» - живые статуи, которые сопровождают спектакль по всему ходу действия (тоже очень необычный и интересный режиссерский ход) – замирают в позах напряженного внимания и ожидания развязки. Сыграно так, что чувствуется, что для Онегина эта внезапная любовь - последний шанс, последняя соломинка, чтобы заполнить свою жизнь, уйти от бессмысленности и тоскливой скуки. И мы видим не просто крушение любовных надежд, но гораздо больше - разочарование в жизни, возможности возрождения. И признание в любви, а затем отказ Татьяны и последняя отчаянная фраза Онегина – «О жалкий жребий мой», звучат как настоящая кульминация. Трагичная, да. Но единственно возможная.
Ох, сейчас как будто пережила все заново, и даже слезы навернулись.
Возвращаясь к исполнителям – про Онегина – Дмитрия Зуева, я уже сказала, Ленский в исполнении Александра Нестеренко был тоже очень хорош, необычен, не столько восторженный романтик, поэт-мечтатель, сколько скорее замкнутый и стеснительный мистик, чуточку не от мира сего, немножко «юный Вертер». Татьяна – Наталья Петрожицкая, показалась мне чуточку жестковатой, но огонь, под маской сдержанности, все-таки чувствовался хорошо. С музыкальной точки зрения – я хоть и дилетант, но оперу слушаю довольно часто, и к сожалению, даже в известных театрах и постановках, часто исполнение бывает невыразительным, а голоса тускловатыми, особенно, почему-то, мужские. Здесь со звучанием было прекрасно, каждую минуту я получала удовольствие от звуков музыки. Может бывает и лучше, но, уверена, не намного.
Ну и наконец, театр Станиславского и Немировича-Данченко – сам по себе замечательный театр, как для меня – квинтэссенция театра, такой, как он должен быть. От гардероба – до буфета, вестибюлей, со сверкающими люстрами, мраморными колоннами, густой синевой бархатных кресел и занавеса. (И даже – прошу прощения за такую прозаическую подробность – туалеты там тоже очень хорошие. А эту деталь может счесть маловажной разве что, андроид, и то мужского пола. :)
В общем, это был чудесный вечер, прекрасная опера в чудесном исполнении. А классическая музыка в хорошем исполнении, кроме шуток, очень хорошо воздействует, даже в физическом плане. Помню, как после «Дон Жуана» театра Ла Скала, я не могла уснуть до трех ночи, настолько сильная была энергетика. Здесь может было не такое сильное воздействие, но вот пару дней спустя я обнаружила, что затяжной кашель, мучавший меня уже больше месяца, как-то пропал. Может, совпадение, конечно. Но может быть и чудо.:)

joyjulia 29 октября 2017, 12:18
После "Евгения Онегина"..

Когда оперу написал Великий по сюжету Великого, а поставлена она в таком театре, как тот, что имени Станиславского и Немировича-Данченко, что может сказать о ней такой простой зритель, как я? Такая опера по определению обречена на успех, потому что все в ней прекрасно – и музыка, и тексты, то есть арии. К тому же, сюжет этот у нас, русскоязычных, в крови, и я уверена в том, что среди публики пол-зала когда-то чувствовали себя Татьянами, а еще пол-зала, вне зависимости от пола, в разные временные этапы своей жизни ощущали себя Ленскими, Ольгами, Онегинами и Греминами. И каждая фраза вызывает к жизни ваши собственные воспоминания: «Привычка свыше нам дана, замена счастию она..», «Куда, куда, куда вы удалились, весны моей златые дни ..», «Я люблю Вас, Ольга..», «Я Вам пишу, чего же боле, что я могу еще сказать..», «Любви все возрасты покорны, ее порывы благотворны..», «Онегин, я тогда моложе и лучше, кажется, была..». И отдельным эхом отзывается смерть Ленского, этот выстрел, который, как ты каждый раз надеешься, не раздастся в этот раз, и Ленский будет жив, и…Пушкин..тоже..

Эта опера, эта история – она о нас, об умении любить, прощать, быть благодарным, умении осознать себя и свои возможности. То есть о самом главном в жизни. Поэтому случайных зрителей на этом спектакле нет, и успех ему обеспечен. А следовательно, мои суждения, мой отзыв только лишь могут иметь смысл и возможную пользу для потенциального зрителя относительно самой постановки и актерской игры. Потому что голоса по определению прекрасны, а музыка вечна, и вообще, так-то, можно никуда и не ходить, а послушать дома. Но мы идем в ТЕАТР, чтобы поверить, что все, происходящее на сцене, реально, чтобы пережить катарсис, чтобы сладко заныло, чтобы слезы навернулись. И в значительной степени это все удастся прочувствовать, если постановка хороша, и актеры-певцы сами верят в то, что они создают на сцене.

Мне повезло сходить на Онегина в этот театр 2 раза – прошлой весной и 25 октября. Поэтому мне есть, с чем сравнивать, причем сравнивать я буду не два театра, а один и тот же. Сразу скажу, у меня осталось впечатление, что я посмотрела два разных спектакля.

Итак, мой весенний выход. Я сидела в центральном секторе бельэтажа ( а это самое удачное место для любых просмотров, на мой взгляд). Занавес открыт, на сцене колонны и неподвижные фигуры. Белое и черное. Свет и тени. Две женщины и два мужчины. Еще до начала спектакля сценографы рассказали нам о том, о чем этот спектакль. Эта неподвижность, и равновесие между белым светом и тенями тревожат, притягивают, но публика еще рассаживается, еще затянута в свою обыденную жизнь, хотя мост в иную реальность – уже перед ней, и некоторые – некоторые - уже по этому мосту прошли.. и готовы к Действу. И вот.. началось.. фигуры пришли в движение.. и по залу прошел единый неслышный «ах» - они живые! Они живые, да, эти двухмерные литературные персонажи из прошлого, пары Онегин-Ленский, Татьяна-Ольга ожили, обрели плоть и кровь – и съели ЯБЛОКО.. Что познает на этом Пути каждый из них? Что вместе с ними познаем мы, переживем мы?

Еще раз напомню, что я сидела в бельэтаже. А это другой ракурс. Все – все! – объемнее, ярче, расстановка певцов на сцене работает на общее восприятие, их движения и передвижения, изменения света-цвета… и ты втягиваешься туда, ты как будто участвуешь в спектакле незримым актером, ты не слушаешь арии, нет, ты участвуешь в этой истории! Сказать, что сценография в этом спектакле восхитительна – значит сказать пустые слова. Она восхитительна, да. Этот лаконичный, только и возможный для такого произведения стиль, никаких финтифлюшек, кружавчиков, только единство формы-цвета-содержания. И музыки, и движения.

В опере два бала, и оба великолепно продуманы. Первый бал – на дне рожденья Татьяны, и – смотрите внимательно! Вот гости закружились в танце, замирая в нужных местах на мгновение, чтобы мы могли понять, услышать нарастающее противостояние между Онегиным и Ленским, почувствовать сердцем их словесную дуэль, на которой Онегин – уже! – убивает Ленского. Этот бал очень важен, я, та, которая сидела в бельэтаже, была ошарашена, взята в плен, ошеломлена этим ритмом, четкой структурой танца, приближающимся грядущим.. Я нынешняя (25 октября) сидела в партере и была всего этого лишена, лишена объемности. Отсюда, с 13го ряда спектакль смотрелся по-другому: это был часто теневой спектакль, люди-тени в контровом свете, и впечатление было другое..

И вот дуэль. О! Дуэль! Не буду писать спойлер. Это очень сильная сцена. А до нее Ленский на заре тоскует, предчувствуя свой конец, по сути прощается с жизнью.. и слезы наворачиваются, и не важно, где ты сидишь – в бельэтаже или в партере. Но из бельэтажа совершенно убийственно смотрится тот момент, как тело Ленского . .мгм.. убирают со сцены.. И жизнь продолжается!

Но нас ждет еще одна ария, ради которой в том числе идешь на этот спектакль – это ария Гремина. Кто будет ее петь? Как будет петь? Ты волнуешься и предвкушаешь.. потому что тебе нужны эти мурашки по коже, нужны потом бесконечные прослушивания этой (и других) арии дома! Потому что, при удачном выборе певца, мурашки будут. Потому что Гремин поет о Любви. И вот это «Онегин, я скрывать не стану – безумно я люблю Татьяну..» преследовало меня долго после весеннего спектакля.. А после осеннего – нет. Хотя голос был прекрасный, но что-то..не сработало. Это была просто ария, концертное выступление.

И вот это как раз то, о чем я силилась сказать в начале своего отзыва. Музыка и тексты вечны, но как же много зависит от певцов, и какая же это невероятная работа – не только божественно петь, но и играть, быть актером с большой буквы! Составы на «моих» двух спектаклях были разные. К сожалению, я была настолько ошарашена в первый раз, что не купила программку – до начала спектакля не успела, в антракте – мне не до того было..я ждала Дуэль.. Персонажи у этих составов получились разные, в осеннем спектакле – молодой страстный Онегин, порывистая Татьяна. Они по-своему прекрасны. Они молоды! И, в конце концов, так и должно быть – ведь Онегину, когда им овладела «охота к перемене мест» было 26 лет. В весеннем составе – это такая мощь, ммм.. Сдержанная сила. Онегин – о, Онегин! Герой не моего романа, но как же именно в той игре я поняла Татьяну! Я полезла смотреть составы и фото актеров оперы на сайт театра, и на одной из фотографий "опознала" – Его! Это был тот Онегин, «весенний». Искуситель, человек «в себе», самодостаточный абсолютно. В тот момент, когда певцы выходили на поклон – каждый соответствовал своему пушкинскому персонажу. Потому что история рассказана, но она продолжает жить, вне зависимости от того, смотрим мы ее или нет. На поклон тогда, весной вышли именно Татьяна, и именно Гремин.. а потом вышел – Онегин. Последним. Сдержанный и сильный человек. И встал – отдельно ото всех. (Простите), жутко прекрасный.

На поклон 25 октября вышли певцы, сыгравшие Татьяну, Ленского, Гремина. Приветственные взмахи «ручкой», воздушные поцелуи. Выскочил-выбежал порывистный и страстный Онегин. Сказка о жизни закончилась. Пора идти домой.

Не подумайте, что мне не понравился спектакль. Он не может не понравиться. Но идите – и увидьте разные спектакли, с разным составом, смотрите его с разных мест, чтобы понять – какая Татьяна и какой Онегин ВАШИ.

Спасибо театру за эту возможность, за выбор. За мастерство всех, кто остался за кадром. Я приду снова. Вероятно, мой третий "Онегин" тоже будет непохожим на два первых.

Для того, чтобы писать отзывы необходимо зарегистрироваться или авторизоваться.

Еще лучше спектакли в Москве

28 марта (чт) | 19:00 | Театр им. А.С. Пушкина, драма 28 марта (чт) | 19:00

Главный хит Юрия Бутусова о том, как трудно быть добрым.

9 апреля (вт) | 19:00 | Театр им. Евг. Вахтангова, драма 9 апреля (вт) | 19:00

Маковецкий в суперхите Туминаса.

27 марта (ср) | 19:00 | Театр Олега Табакова (Табакерка), Театр Олега Табакова (Табакерка). Сцена на Сухаревской, драма 27 марта (ср) | 19:00

Ремейк знаменитого спектакля Олега Табакова о судьбе скрипача-еврея в 30-ые годы XX века.

6 апреля (сб) | 20:00 | Гоголь-центр, драма 6 апреля (сб) | 20:00

Спектакль Аллы Демидовой и Кирилла Серебренникова, посвященный великой поэтессе.

26 марта (вт) | 19:00 | Театр наций, драма 26 марта (вт) | 19:00

Ингеборга Дапкунайте в роли «русской Дитрих» — Любови Орловой.

26 марта (вт) | 19:00 | Центр драматургии и режиссуры. Сцена на Соколе, драма 26 марта (вт) | 19:00

Ностальгический спектакль Владимира Панкова с Еленой Яковлевой в главной роли.

Выбор редакции

31 марта (вс) | 20:00 | Электротеатр Станиславский, музыкально-драматический 31 марта (вс) | 20:00

Музыкальный спектакль в жанре «кабаре», в основе которого – 12 песен лидера группы «Гражданская оборона» Егора Летова и певицы Янки Дягилевой.

Премьера

24 марта (вс) | 12:00 | Музыкальный театр им. Н. И. Сац, балет, детский 24 марта (вс) | 12:00

Балет по мотивам сказки Шарля Перро, приуроченный к 200-летию Мариуса Петипа.

Премьера

9 апреля (вт) | 19:00 | Театр наций, драма 9 апреля (вт) | 19:00

Спектакль Виктора Рыжакова по новой пьесе уехавшего из России Ивана Вырыпаева.

Премьера

20 апреля (сб) | 19:00 | Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко, балет 20 апреля (сб) | 19:00

Российская премьера балетных одноактовок культовых хореографов.

Премьера

30 марта (сб) | 19:00 | Центр им. Вс. Мейерхольда, драма 30 марта (сб) | 19:00

Премьера

6 апреля (сб) | 18:00 | Новое Пространство Театра Наций, интерактивная программа 6 апреля (сб) | 18:00

Спектакль об искусственном интеллекте с роботом в главной роли.