Электротеатр Станиславский

Электротеaтр Стaнислaвский – пожалуй, сaмая яркая площaдка Москвы, открытaя для любых театрaльных экспериментов. Здесь идут спектакли режиссеров, композиторов, художников и хореогрaфов сaмых рaзных нaправлений, культур и поколений. Нет никакой возможности догaдаться, что ждет зрителей, пришедших сюда в очередной рaз. Для постановок используется практически все пространство Электротеатра – спектакли идут на трех сценах, в фойе и даже во дворе, пока свободна только крыша. Причем сцены трансформируются до неузнаваемости, и, придя в казалось бы знакомое пространство, не узнаешь его и не сразу понимаешь, где оказался. Здесь можно увидеть саги с повествованием, растянутым на несколько дней, и одноактники, заканчивающиеся раньше, чем зрители успевают разобраться в происходящем. И в этом тоже есть своя фишка – спектакль неспешно прорастает в душе и наконец выстраивается в своей логической очевидности.
На этот раз я побывала на спектакле, поставленном по новеллам Луиджи Пиранделло. Да, именно по новеллам, хотя Пиранделло наибольших успехов добился в области театрального искусства, режиссер Павел Шумский выбрал для постановки две новеллы: "Три мысли горбуньи" и "В самое сердце".
В своих произведениях Пиранделло утверждает, что в одном человеке сосуществует много душ и что наше "я" многолико. В них, как и в жизни, трагедия и фарс соседствуют. И в этот хаотический и вечно меняющийся мир постоянно и неожиданно вторгается случайность, которая все запутывает, распутывает и меняет лики. Его герои, оторвавшись от "среды", живут в своем собственном пространстве, который чище их обыденного пошлого существования.
Одной из самых страшных бед современного человека Пиранделло считал одиночество, выходом из которого часто оказывается смерть. Лучше принять смерть, чем жить с истерзанной душой, – так и поступает героиня новеллы "В самое сердце". Драма героини начинается обыденно и заканчивается трагически.
Многие рассказы Пиранделло представляют собой парадокс, отражая парадоксальность жизненных ситуаций. В новелле "Три мысли горбуньи" прошлое, настоящее и непосредственная реальность как бы сосуществуют. Героиня пребывает в двух ликах – во внешнем, в виде несчастной карлицы-горбуньи, и внутреннем, как видит она свою душу – высокой, стройной красавицей.
Перевоплощение актрисы Виктории Пикос в горбунью завораживает и заставляет поверить в безграничные возможности ее тела. Думаю, что эту трансформацию поставила хореограф Александра Конникова.
Сценография спектакля "В самое сердце" настолько проста и лаконична, что заставляет вспомнить, что театр – это коврик и два актера. В постановке по новеллам Пиранделло участвуют трое: Виктория Пикос, Александра Скорокосова и Влад Волков. Но сценографы Александр Клямкин и Лия Паршина даже на коврик не расщедрились – действие развертывается просто на полу и насквозь простреливается взглядами зрителей. Чем не рыночная скоромошья площадка.
Костюмы, придуманные Лией Паршиной, заставляющие любоваться собой в прологе, позже растворяются в действии. Кроме актеров в спектакле есть и четвертое действующее лицо – свет, слепящий в своей безжалостной остроте (художники по свету: Алексей Наумов, Илларион Четырин).
Спектакль Электротеатра Станиславский завораживает, приковывает внимание, заставляет сопереживать героиням и не отпускает еще несколько дней, отзываясь неясными шевелениями души.

Недавно посетила новаторский спектакль «Сон в летнюю ночь» в Электротеатре Станиславский и хочу поделиться своими впечатлениями. Этот спектакль произвел сильное впечатление своей необычностью, креативностью и современным подходом к классической теме.
В основе спектакля — мотивы известной пьесы Шекспира «Сон в летнюю ночь», однако режиссеры предложили свою авторскую интерпретацию, соединяя классические мотивы с современными технологиями и взглядами. Результат — не просто классическая постановка, а свежий взгляд на вечные темы любви, иллюзий и реальности.

Этот спектакль — настоящий художественный эксперимент, он вызывает разнообразные эмоции: от удивления до восхищения. В нем есть что-то магическое, что цепляет за душу и заставляет задуматься о природе сновидений и границах реальности. Время провели потрясающе! Очень рекомендую!

«Мамочка» - это хорошая драматургия Тони Яблочкиной. Интересная пьеса. Досрочно из мест лишения свободы освобождается Надя, вот только вернуться обратно не получается. Жизнь у нее была на паузе, а у мужа и сына-подростка продолжалась. Посадили ее за хищения. С молчаливого согласия мужа, который в общем-то с удовольствием пользовался благами и устроенным бытом.
Надя - яркий пример витальной женщины. С жаждой жизни и желанием есть ее большой ложкой. Харизматичная, энергичная, нахрапистая и грубоватая. Но с нежнейшей нугой внутри. И удивительный парадокс - в тюрьме она оказывается нужной, ее ценят и уважают. Называют «мамочкой» за справедливость и заботу, а по возвращении - оказывается ненужной, лишней, душащей своей заботой и старанием. И это про одиночество и то, как мы сами лишаем себя свободы, загоняя в клетку. Там очень понятный конфликт, мотивы, соль каждой роли. Героиня вызывает симпатию. Надю играет Дарья Колпикова. То ли случайно, то ли по режиссерской задумке, но Надя - единственный герой, который будто настоящий, почти лишенный фарсовой буффонады.

Все остальные герои и выглядят, и действуют утрировано и форсируют все. Так, ее муж, напоминает «Джокера курильщика», откуда-то из Мытищ, а не из Голивуда. Его синие усы и яркий костюм, вкупе с нерешительностью делают из него такого маленького человека. Неспособного на поступки. За этого колю говорил и думал (как писали в мультике про Масяню) Антон Капанин. И мне понравилась актерская работа, он прям максимально цельно в образе.
Сын подросток Ваня - просто коллаж всех стереотипов современного подростка. Все там было настолько манерно, и так много всего , что он для меня остался неоживленным. Ну то есть он устраивал истерики, и даже прыгал из окна, хамил-дерзил и проявлял интерес к папиной молодой любовнице Лизе, и все это было очень театрально. В этом обозначении не было нутра. Молодая любовница Лиза в исполнении Анастасии Фурса Ее героиня тоже создана из мемов от девушки с Патриков до чего-то еще..)) Максимально собирательный образ. Ее отец Авдеев- бывший сотрудник органов, который в голову ест, играет мускулами (которые талантливо играют подушки под одеждой) и очень ценит понятное и простое, теплый ужин и заботу. Вот он-то и способен оценить всю нерастраченную витальность Надежды и желание причинить добро и накормить всех ближних. Но отчего-то не хватало острых углов любовным треугольникам: Надя-Коля-Лиза, Авдеев-Надя-Коля, Коля-Лиза-Ваня… И они тоже были будто обозначенными…

Мне очень понравилось художественное решение. Прикольные декорации и реальные, и нарисованные. Классный реквизит - одна продуктовая корзина и распаковка-чек маминых покупок - шедевр. Все продукты хотелось разглядывать и угадывать. Прикольный гипс-рука у Вани после его прыжка из окна, вот прям любопытное.. Но все вместе это становилось не реальной жизнью на сцене, а условным ее проживанием и даже скорее обозначением. Может поэтому так же оно и для меня проигралось, исключительно внешней историей, внутреннее никак не тронуло происходящее. Хотя драма жизни вполне настоящая. И история способна заволновать.

Режиссер - Евгений Бедняков, это его вторая режиссерская работа в Электротеатре (первая - Фантазии Фарятьева). Необычная трактовка бытовой истории.

Спектакль идет на малой сцене, 2 часа с одним антрактом

«Эти и К.С.» - как произносится спектакль, для меня по-прежнему загадка. Игра букв понятна, но ясности в названии нет.. Спектакль премьера этого сезона. Парная режиссура: Серафима Низовая и Денис Бургазлиев. Актеров тоже два: Серафима Низовая и Денис Бургазлиев.
Спектакль начинается до того, как актеры появляются на сцене. Зрители смотрят видео, в котором актеры собираются и добираются до театра на репетицию Тот самый процесс «подготовки сценического самочувствия» артиста. Он - вдумчиво и собрано, аккуратно и педантично, заранее и не спеша. Она - спешно и суматошно, с опозданием. А дальше в режиме диалога ключевые (по мнению авторов) тезисы проигрываются я в текущих реалиях современного театра. Кроме цитат Станиславского со сцены звучат стихи Иосифа Бродского, Саши Черного, а Даниил Хармс добавляет волшебного сюра во все происходящее.

В последнее время полюбила короткие одноактные спектакли, это как искусство короткометражки в кино - быстро и лаконично передать что-то важное. В этой постановке было не совсем классическое развитие действия , события скорее как этюды, иллюстрирующие отдельные сферы актерского бытия. Мне лично, как лицу сильно любопытствующему актерскому существованию, в том числе и за сценой, было интересно. Есть гипотеза, что не всем будет понятно, она правда ничем не подтверждена.

Минималистично и лаконично, 60 минут про тонкости отношения к профессии. Вообще к любому делу, чем бы ты ни занимался.

Одно время я часто ходила в Электротеатр Станиславский. Потом приоритеты сменились и пару лет я сюда не заглядывала, хотя, пробегая мимо по Тверской, каждый раз изучала афишу. И вот наконец лед взломан, и я посмотрела в Электротеатре спектакль "Сверчок". Мне понравилось. Даже очень.
Прежде всего, картинка. Сценография здесь потрясающая. Художники, а над спектаклем работало аж четверо, создали шедевр. Изысканные оттенки серого, невероятные костюмы, свет, создающий особый объем, видеоинсталляции, на фоне которых идет весь спектакль, – все придумано, продумано и исполнено великолепно. Если бы даже на сцене ничего не происходило, а просто сменялись картины, я бы уже не зря пришла.
Машинерия. Казалось бы, ничего особенного: вертится круг, сменяются картины, но точность, четкость, скорость работы сотрудников сцены восхищает. Не случайно они в полном составе выходят на поклоны вместе с актерами – вклад в успех спектакля и тех, и других равноценен.
Текст. Он остроумен, точен и смешен. Спектакль, собственно, поставлен по сказкам голландского писателя Тоона Теллегена. Поэт Михаил Чевега перенес их на нашу, российскую почву, переписал стихами в форме басни и остроумно рассказал о самых разных сторонах отечественного кинопроизводства. Интересно узнать, что в результате осталось от оригинала, но это детали.
Даже не верится, что спектакль идет всего час и десять минут. За это время нам было рассказано и показано столько, на что в иных театрах и трех действий не хватает.
Актеры. Ах, какие в Электротеатре Станиславский замечательные актеры! Им по плечу любые эксперименты и мизансцены. Темп спектакля головокружителен, иногда актер исчезает и волшебным образом возникает в противоположном углу сцены. И все происходит легко, естественно, буквально играючи.
Маски. Маски зверей – это отдельный восторг. Виртуозно воссозданы все складочки, шерстинки, усики, ганглии, жвалы и прочие мандибулы. Каждая маска так и просится в музейную витрину для подробного изучения.

Электротеатр обычно воспринимается как очень интеллектуальное пространство. Спектакль "Проза" здесь - возможность отдыха, когда почти неловко признать, что тебе все-таки пришлось по душе. В лучших традициях этой площадки она потрясающе красивая визуально и необычная музыкально, дает обманчивую возможность самостоятельно выстраивать нарратив, на деле оказываясь неочевидной, но все-таки вариацией на тему перепрочтения классики, ведь выбор зрителю предоставляется между аудиальным и визуальным, последнее при этом больше поддержано на разных уровнях спектакля и легче воспринимается мозгом. Пожалуй, лучший спектакль для начала постепенного знакомства со стилем этой площадки.

Спектральная музыка в Электротеатре «Станиславский»
Каждый раз, собираясь в Электротеатр «Станиславский», прежде всего надо быть готовым к эксперименту. Переступая порог этого театра на Тверской, оказываешься в некой особой реальности, в которой как правило невозможно угадать, что тебя сегодня ожидает. Это могут быть драма, опера, балет, сплавленные в самых разнообразных вариациях, спектакли могут проходить, на сцене, в фойе, на лестнице и даже в гардеробе. В конце июня, в конце рабочей недели, я попала на самый последний концерт музыкального абонемента «Спектральная музыка». Наверное, перед этим походом надо было хотя бы поинтересоваться, что это за зверь такой – «спектральная музыка», знаю, многие так и делают, но я предпочитаю воспринимать спектакли и концерты как бы с чистого листа, чтобы они ложились на незамутненную лишней информацией душу – а просветиться, лазая по интернету, можно и потом. И так что же это было. Прежде всего оказалось, что спектральная музыка существует в полной гармонии с моим внутренним миром – звуки электроинструментов, возможно, некоторым могли бы показаться странными и раздражающими, моим ухом воспринимались как естественные и гармоничные. Ведь звук, это вибрация, а все вокруг нас постоянно вибрирует – от атомов, до вселенной, и главное в жизни не идти в разрез со вселенной, а существовать с ней в полной гармонии. Музыка, это как бы портал, открывающий нам новые миры и рождающая неожиданные ассоциации. Воспользовавшись после концерта Яндексом, я узнала, что термин «спектральная музыка» не просто эффектное название ради привлечения внимания, а технический прием: музыка как свет сначала разлагается на спектральные составляющие, а затем переплавляется в некое иное понимание гармонии. Этим вечером «А&C» квартет исполнил произведения Джачинто Шелси, дуэты для скрипки и виолончели, сочинение Allain Gaussin «Chakra», и в финале состоялась российская премьера - «Fotografie und Berührung» Сергея Невского. Новый опыт по освоению доселе неведомых мне музыкальных гармоний был интересен и прослушивание всех произведений, чем-то похожих, но в результате очень разнообразных, доставило мне удовольствие и начало уикенда в результате точно удалось.

«Маниозис», или О тяге к знаниям

Первые минуты спектакля (тогда, когда вместо обещанной оперы я увидела... Фильм? Телетрансляцию? Взгляд и Нечто?) я посвятила размышлениям на тему «Почему я здесь?» И пришла к выводу, что это закономерно. При всем разнообразии московской театральной жизни Электротеатр «Станиславский» привлекает неординарностью. Он необычен во всем: от выбора тем до формата спектаклей. Уникальные режиссерские решения, подкрепленные виртуозной игрой актеров, ожидаемы и дают надежду на то, что событие запомнится. Здесь даже дыхание и произношение у актеров специфичны. Попадаю я в это креативное пространство не очень часто, но каждый раз с большим интересом и эстетическим удовольствием. Правда, в случае спектакля «Маниозис.1х2» у меня возникли сомнения по поводу удовольствия...
В данном случае в театр меня привела тяга к знаниям, привычка учиться, если можно так сказать. В названии камерной оперы Александра Белоусова соединены слова «mania» и «gnosis» – «мания» и «познание». Маниакальное желание познания – это наше все!
Зрителям было обещано музыкально-философское размышление на основе трактата Бенедикта Спинозы «Этика». Барух (позднее принял имя Бенедикт) Спиноза - нидерландский философ-рационалист и натуралист XVII века. Вырос в еврейской традиции, получил классическое для иудея того времени образование, позднее был изгнан из общины и принял христианство, некоторыми воспринимался как атеист. И он же написал, что «Блаженство заключается в Любви к Богу...» Автор глубоких философских трудов, зарабатывавший на жизнь шлифовкой оптических стекол и отказавшийся от собственной кафедры философии в одном из наиболее уважаемых университетов Европы из-за боязни потерять свободу в высказывании мыслей...
Как Спиноза в своей философии объединил множество разнообразных элементов, так и в спектакле причудливейшим образом сочетаются «Этика» (рассуждения «об образах, которые приходят снаружи и этическом выборе, который мы делаем сами» как указано в программке) и история маньяка. Александр Белоусов синтезирует в пространстве сцены множество разнообразных элементов. Объединяя функции композитора и режиссера, он пользуется абсолютной свободой.
Скажу сразу: зритель такой свободы лишен. Во всяком случае, неподготовленный зритель, который не владеет знанием о философской системе Спинозы, с одной стороны, и не готов к авангардности действа с другой. Мы имеем дело с уникальным случаем, когда изучение программки, странички спектакля на сайте театра, возможно, критики, является обязательным ДО начала спектакля. Я, увы, этого не сделала. В итоге «играла в ассоциации», самая живучая из которых – фильм «Молчание ягнят» и его продолжения (не помню, как эти сиквелы-приквелы назывались, более того, посмотреть их целиком так и несмогла, но, думаю, идея понятна).
В камерном пространтсве сцены сосуществуют Автор, Протагонист (главный герой, он же маньяк), Диотима (видимо, дама пришла из «Пира» Платона и символизируем платоническую, т.е. духовную любовь), Дирижер (он же Драгдилер, если я правильно поняла) и еще несколько персонажей. Они двигаются, издают звуки, иногда эти звуки превращаютс в слова, из слов можно попытаться составить фразы. В первом действии для меня четко прозвучала одна: «Продай косяк и уходи». А вот теоремы Спинозы разобрать сложно.
Если продолжить игру в ассоциации, Диотима похожа на блоковскую Прекрасную даму. Протагонист – уайльдовский Дориан Грей. Дирижер... здесь вообще все сложно. С одной стороны, именно он ассоциируется с Ганнибалом Лектером, с другой – он жертва, а не маньяк (или нет?).
Но мы знаем, что в опере текст не самое главное, музыка в приоритете. И здесь все непросто. Почти настоящий дирижер во фраке и с палочкой, почти традиционная гармония и... соло кофемашины и 3D принтера, которые вписываются вполне органично. И это не все сюрпризы!
Поток сознания... Наверное, это понятие с полным правом можно отнести и к спектаклю, и к его восприятию (и к этому тексту).
Московская публика довольно жестока, и часто «голосует ногами». Честно говоря, меня поразило, что после антракта большая часть зрителей «Маниозиса» осталась на своих местах. О себе могу сказать, что было интересно, но... погружение в атмосферу действа не дало эмоционального отклика.
Оперу – спектакль – перфоманс (?) советую смотреть (слушать) тем кто готов к восприятию совершенно новой театральной эстетики, кто не боится экспериментов на сцене и заинтересован в глубоком самоанализе.

«Вакханки», или История «полусмертного бога»

«Зевс хотел как лучше.
Для какого-нибудь несчастного полубога, нимфы или смертного эти четыре слова так часто предвосхищают катастрофу,» - написал Стивен Фрай.
И да, все, кто помнит греческую мифологию с ним согласятся. Дело в том, что Зевс Громовержец был очень влюбчив. А его законная супруга Гера – очень ревнива. В конфликтах богов часто страдают люди...
Прекрасная Семела жила в Фивах. Она была жрицей и, как сейчас сказали бы, членом правящей семьи. Поэтому, когда она заявила, что сам Зевс полюбил ее, и теперь она готовится произвести на свет плод этой любви, ей поверили. Но... не все. Вот, например, ее сестры, возможно, из зависти, заявили, что красивый чужеземец – не обязательно бог. И ревнивая Гера, приняв образ старухи, тоже выразила сомнение. Она уговорила Семелу учтроить что-то вроде проверки: пусть возлюбленный примет свой истинный облик, тогда и сама Семела будет уверена, и остальные убедятся.
Истинный образ бога опасен для смертного, слишком большая мощь в нем скрыта. А уж Зевс с его громами и молниями... Семела погибла в божественном огне. А ребенок, очень маленький, еще не способный выжить самостоятельно, остался. Зевс зашил его в свое бедро и «вынашивал»до нужного срока. (Отметим, для Зевса это был не первый случай: богиня Афина, в полном боевом облачении,появилась на свет из его головы.)
Итак, родился мальчик. Назвали Дионис (древние римляне переименовали потом в Вакха). Сын бога от смертной, но рожден самим богом... Собственно, даже дважды рожден. В итоге получился не полубог, не герой, как сводный брат Геракл, а именно бог. Фрай назвал его «полусмертным богом», хотя это очень странное определение.
Возможно, именно благодаря этой «полусмертности» Дионис по характеру ближе к людям, чем другие боги.
Дионис - бог растительности, виноградарства, виноделия (и именно этим прославился в первую очередь), производительных сил природы, вдохновения и религиозного экстаза, а также театра. Он много странствовал и везде, где появлялся, учил людей выращивать виноград и делать вино. Везде, точнее, почти везде, Дионис устанавливал свой культ. Этот юный бог был весел и красив, возможно, даже добр к людям. Но ему сопутствовали безумие и насилие. Говорят, он и сам бывал безумен. Как бы то ни было, боги приняли младшего из олимпийцев. Но не все люди были с ними согласны...
В Фивах, на родине Семелы, нашлись смертные, которые не верили в божественность Диониса. Они не чтили память его матери, не учредили его культ. Не было храмов и жертв. И тогда Дионис поступил совсем как человек: решил отомстить.
Что было дальше, мы все знаем благодаря Еврипиду, который в V в. до н.э. написал трагедию «Вакханки». Критики считают, что это произведение стало последней пьесой золотого века афинской трагедии. Действительно, не часто минимализм действия сочетается с такой бурей страстей.
Не хочу пересказывать Еврипида полностью. Даже не призываю прочесть перед походом в театр. Думаю, краткого изложения в программке или Википедии будет достаточно для понимания развития событий.
Детали не очень важны. Спектакль, поставленный греческим режиссером Теодоросом Терзопулосом, из тех, которые нужно видеть. У него длительное «послевкусие», как у достойного дара Диониса: чем больше проходит времени, тем больше думаешь, вспоминаешь, осмысливаешь.
Вакханки или менады, безумные, находящиеся в священном трансе спутницы Диониса, толпа, обладающая собственным сознанием и волей, идут за своим прекрасным и мстительным богом. Кажется, они во всем правы, ведь богов нужно почитать, им нужно служить... Но к чему приводит такая вера? Сцена, в которой Агава, мать растерзанного вакханками Пенфея, понимает, что она собственными руками убила сына... Одна из сильнейших из виденных мною в театре.
Электротеатр «Станиславский» обладает уникальной эстетикой. Иногда складывается впечатление, что спектакль воспринимается не полько разумом и чувствами, но и на уровне физиологии, если можно так сказать. Не всем это подходит. Думаю, спектакль «Вакханки», которым театр открылся в 2014 году, может служить своеобразным тестом: если полтора часа странных звуков... отрывистых фраз... изломанных тел, двигающихся в странном, но завораживающем ритме... дыхания, которое похоже на шум прибоя и на шепот... привлекут, потянут к себе... это ваш театр!
Хочу поблагодарить Электротеатр «Станиславский» http://electrotheatre.ru/ , сообщество moskva_lublu https://moskva-lublu.livejournal.com и лично Наталью natatukan https://natatukan.livejournal.com/
Группы Электротеатра «Станиславский» театра в соцсетях Фейсбук; Инстаграм; В контакте; YouTube; Твиттер
https://www.facebook.com/stanislavskydrama?fref=ts , https://vk.com/electrotheatre , https://www.instagram.com/electrotheatre/?modal=true , https://www.youtube.com/channel/UC9Pk6baikckkWZJfwmV06sQ/videos
https://twitter.com/electrotheatre_/

Служанки бульвара Сансет
Посещения Электротеатра Станиславский столь же увлекательны и экстремальны как сплав по порогам шестой категории – абсолютно невозможно предугадать, что тебя ждет за очередным поворотом на очередном спектакле. На этот раз это был микст фильма 1950 года «Бульвар Сансет и пьесы Жана Жене «Служанки». Этот спектакль придумали Владимир Коренев (если кто не помнит, так это Ихтиандр их Человека-Амфибии) и Леонид Лютвинский (если кто не знает, так это Месье из предыдущей версии спектакля Виктюка), Владимир Коренев и поставил этот спектакль как режиссер. Сплав сделан достаточно удачно – узелков на обратной стороне почти не видно – но, если Норму Дезмонд (Людмила Лушина) вполне можно называть Мадам, то, когда Джо (Владимир Долматовский) превращается в Месье, возникает некоторое недоумение, да и постоянный перенос действия из Америки во Францию и обратно тоже несколько резковат. Основной символ этого спектакля – громадная обезьяна на сцене – правнук Кинг-Конга (так значится на табличке). Обезьяна сначала потрясает своими размерами и яркими первичными половыми признаками, затем ее используют как мебель, потихоньку разбирают на запчасти и к концу на сцене от нее остаются лишь фрагменты (сценография и костюмы - Анастасия Нефёдова). Костюмы надо сказать очень интересные, особенно у служанок (Соланж – Ирина Коренева, Клер – Дарья Колпикова), хотя их экстравагантность немного не вяжется с элегантным желтым пиджаком Джо и платьями Нормы, то причудливыми, то сдержанными. Еще из непонятых мною символов – лысые парики Служанок, которые они снимают ближе к концу (проявляют так свою женскую сущность?), а Норма Дезмонд, наоборот, лысый парик одевает (сдается на милость Служанок?). Стиль воплощения образов героев тоже разнообразен: от реализма Джо до механистичности Клер и Соланж – в результате действие опять распадается на составные части – этим хотели подчеркнуть особенность каждого из использованных произведений? В общем вопросов возникает много, но это как раз и хорошо! После спектакля лучше мучится вопросами, чем уйти и забыть. И вообще постановка с первой минуты и до финала смотрится с большим интересом, есть пища для ума и занятие для глаз, так что, если кто еще не смотрел – советую!
https://2ekzegeza2.livejournal.com/112204.html